初學者心態
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在生活中，能夠接觸到那些成就非凡的人，總是一件讓人印象深刻的事。他們擁有過人的智慧、清晰的目標以及對自身狀態的絕對掌控，這些特質無疑是成功的關鍵。但是無論一個人多麼優秀，也無法避免環境的變化帶來的挑戰。面對這樣的現實，即使是那些最出色的人，也需要重新拾起他們早已遺忘的「初學者心態」，才能在不斷變動的世界中保持靈活與敏銳。 初學者心態能幫助我們擺脫對完美的執著 追求完美這件事，聽起來很有吸引力，但其實是一種陷阱。人們在追求完美的過程中，往往會忽略進步的價值，甚至浪費許多時間和精力，結果反而寸步難行。相比之下，初學者的狀態讓人感到自由，因為我們一開始就不會期待自己能完美無缺。當我們抱著探索的心情去嘗試新事物，反而能讓創新自然地發生。創新不是要一開始就解決問題，而是敢於面對不確定性，從中尋找方向。在這種過程中，放下對完美的執念，反而能走得更遠。 初學者心態喚醒了我們的好奇心 隨著經驗的累積，許多人都會變得更加專業，甚至對於自己熟悉的領域充滿自信。然而，專業久了，有時會讓我們陷入慣性思維，變得不再願意嘗試新的方法。畢竟，過去的成功經驗讓我們感到安心，但問題是，這個世界一直在變化。如果我們僅僅依賴舊有的方式，可能就無法跟上這些變化的腳步。初學者的心態，則能重新激發我們天生的好奇心，讓我們願意學習那些本來可能避而遠之的新技能或新觀點，進而幫助我們適應變化。 初學者心態讓我們跳脫慣性，發現新解法 有一句話很經典：「當你手上只有一把錘子時，所有的問題看起來都像釘子。」這其實非常貼切地描述了許多高成就者的現狀。這些人之所以成功，是因為他們擁有非常好用的「錘子」——某種獨特的解決問題的方法。然而，錘子雖然好用，卻並不適合每一種情況。有時候，過度依賴某一種工具，反而可能讓我們錯失最佳的解決方式。初學者的心態，則讓我們能夠放下對慣用工具的依賴，嘗試用全新的視角看待問題。雖然這種方式可能讓人感到不舒服，但正是在離開舒適圈的那一刻，我們才有機會發現全新的可能性。 保持初學者心態，是面對變化的最佳準備 許多人相信，只要我們持續做自己熟悉的事情，一切都會一如往常地順利。但事實並非如此，當世界改變時，我們過去的專業和經驗，可能一下子變得無用武之地。這就是為什麼培養初學者心態如此重要。它並不是要否定我們過去的努力，而是讓我們有能力以開放的態度迎接變化。與其等到不得不改變時才手足無措，不如在平時就開始練習。這樣，當挑戰來臨時，我們不僅能從容應對，還能從中找到全新的成長契機。 總而言之，初學者心態不僅是一種心態，更是一種能力。它讓我們能夠適應這個充滿不確定性的世界，擁抱改變，並且持續進步。在這個快速變化的時代，或許最重要的不是成為專家，而是學會如何成為一個更好的初學者。
寫歌詞的秘訣
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在音樂創作中，歌詞扮演著至關重要的角色。雖然和聲與旋律常常成為焦點，但歌詞是大多數聽眾最先產生共鳴的部分，也是傳達故事與情感的最直接方式。那麼，究竟如何寫出令人印象深刻的歌詞呢？以下將揭示幾個關鍵要點，幫助你提升歌詞創作技巧。1. 將歌詞視為詩來寫歌詞本質上就是詩歌與音樂的結合。因此，提升詩歌寫作能力對於創作優秀歌詞至關重要。多寫詩、多閱讀詩，能幫助你掌握語言的節奏與韻律，進而應用到歌詞創作中。2. 理解聲音的力量詞語不僅僅是其字面意義，還包含了豐富的聲音元素。押韻是其中最明顯的部分，但內部押韻同樣重要。例如，在一句歌詞中，除了句尾押韻，內部的音節也能產生押韻效果，增加歌詞的連貫性與節奏感。熟悉完美押韻（如「貓」和「帽」）與半押韻（如「愛」和「信任」），能讓你的歌詞更具層次感。3. 掌握節奏與重音在詩歌中，重音模式（如抑揚格或揚抑格）賦予句子特定的節奏。同樣地，歌詞也需要與音樂的節奏相契合。學會如何將詞語的重音與音樂的節奏點對齊，能讓你的歌詞更加流暢，避免出現不協調的情況。4. 運用意象與隱喻生動的意象和巧妙的隱喻能讓歌詞更具感染力。例如，將「太陽像毯子一樣溫暖」或「她的冷漠如冰」這樣的比喻，能夠幫助聽眾在腦海中形成具體的畫面，增強情感的傳達。5. 練習與反覆打磨提升歌詞創作能力的關鍵在於不斷練習。多寫、多改，並不斷反思自己的作品。嘗試不同的寫作方式與風格，逐步找到最適合自己的創作方法。記住，完美的歌詞往往來自於無數次的修改與完善。6. 寫出真實的情感最能打動人心的歌詞來自於真實的情感與經歷。無論是愛情、失落、希望還是掙扎，真誠地表達內心的感受，能讓聽眾產生共鳴，讓歌詞更具感染力。結語寫出優秀的歌詞並非一朝一夕之功，需要持之以恆的練習與不斷的學習。將歌詞視為詩歌來寫，理解聲音與節奏的力量，運用意象與隱喻，並不斷打磨自己的作品，這些都是提升歌詞創作能力的有效方法。勇敢地表達真實的自我，讓你的音樂作品更加動人心弦。
如何在七分鐘內寫出優秀的歌曲歌詞
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想寫歌詞卻不知道從何開始嗎？在這篇文章中，我將分享我用來創作上千首歌曲的公式。作為一名專業的詞曲創作人，我深知將靈感轉化為文字的挑戰，但透過以下八個實用步驟，你也能輕鬆寫出優秀的歌詞。 1. 感受歌曲的氛圍 首先，仔細聆聽你要寫歌詞的旋律或節奏，感受其中傳達的情感。是慢板、歡快、悲傷還是充滿能量？這些情感將幫助你確定歌詞的主題和方向。 2. 腦力激盪歌詞靈感 拿出筆和紙，將你在第一步中感受到的情感寫下來。將紙張分成左右兩部分，左邊寫下歌詞，右邊列出相關的詞彙。不要限制自己的想法，盡情記錄所有靈感，這將有助於後續創作。 3. 創作旋律 對於初學者來說，創作旋律可能有些困難。嘗試即興哼唱（scatting），讓旋律自然流淌。如果感到困難，可以暫時休息一下，再回來繼續創作。 4. 將歌詞配上旋律 選擇右邊詞彙表中的一個詞，並將其放入左邊的歌詞部分。根據旋律調整歌詞，使其自然貼合音樂節奏。 5. 讓歌詞押韻 確保歌詞中的句子有押韻，這能增加歌曲的韻律感。你可以使用完美押韻（如「貓」和「帽」）或半押韻（如「愛」和「信任」）。若遇到困難，可以使用像 rhymezone 或是押運鴨子這樣的工具來尋找合適的押韻詞。 6. 理解歌曲結構 了解歌曲的基本結構，如主歌（verse）和副歌（chorus）。主歌通常用來講述故事或設置場景，而副歌則應該更具普遍性，讓聽眾能夠產生共鳴。 7. 講述一個故事 好的歌曲如同好的電影和書籍，能夠講述引人入勝的故事。確保你的歌詞能讓聽眾感同身受，分享真實的情感和經歷，使歌曲更具感染力。 8. 使用隱喻、明喻與意象 運用隱喻、明喻和豐富的意象來增強歌詞的表達力。例如，將「太陽像毯子一樣溫暖」，或「她的冷漠如冰」，這些修辭手法能讓歌詞更加生動有趣。 結語 寫出優秀的歌詞需要時間和練習，但只要持之以恆，並遵循這些步驟，你將能夠逐步提升自己的創作能力。記住，每一首完成的歌曲都比追求完美更有價值。勇敢地表達真實的自我，讓你的音樂打動更多人。 祝你在創作的道路上順利，寫出屬於自己的精彩歌詞！...
如何為初學者提升歌曲歌詞寫作技巧
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寫歌詞是一門藝術，對許多剛踏入音樂創作領域的新手來說，既充滿挑戰又令人興奮。如果你已經掌握了找到押韻和創作旋律配合的能力，但在提升歌詞質量上遇到了瓶頸，不用擔心，以下幾個實用的方法將幫助你寫出更出色的歌詞。 1. 具體化你的描寫 要讓歌詞更有感染力，關鍵在於具體化你的描寫。從描繪事物的外觀、人物的行走方式到一天中的時間點，這些細節都能幫助聽眾更好地理解歌曲的場景、故事和情感。你可以運用五感（視覺、聽覺、味覺、觸覺、嗅覺）來豐富你的歌詞。例如，將「這裡沒有人」改寫為： 開闊的道路，四周無人影 龍捲風與小鎮的寂靜 輕寒感覺沿著脊椎滑下 這樣的具體描寫讓歌詞更生動有趣。 2. 將寫歌詞視為寫詩 歌詞本質上就是詩歌，重點在於如何運用文字來表達思想並講述有趣的故事。當你遇到寫作瓶頸時，不妨翻閱一些詩集，或在社交媒體如Instagram和Pinterest上尋找詩歌靈感。觀察詩歌的結構和用詞方式，並思考如何將這些技巧應用到你的歌詞創作中。 使用文學手法 運用隱喻、明喻、重複、意象和頭韻等文學手法，可以讓你的歌詞更具層次感。例如，Hozier在《Cherry Wine》中運用了多種修辭手法來豐富歌詞的表達： 隱喻：「她的眼睛和話語如冰一般冷酷」 明喻：「她燃燒如同火焰般熱烈」 對比：「她可以極端冷酷，也可以極其溫柔」 這些手法讓歌詞更具深度和感染力。 3. 設定寫作限制，激發創意 對於初學者來說，面對無限的創作可能會感到不知所措。這時，為自己設定一些限制可以激發創意。例如： 每行歌詞使用固定的音節數 使用特定的詞彙庫 每行歌詞以字母表中的不同字母開頭 這些限制不僅能幫助你集中精力，還能激發出意想不到的創作靈感。 4. 深入分析和學習他人的歌詞 多閱讀和分析你喜愛或不喜歡的歌曲歌詞，能讓你了解不同的寫作風格和技巧。你可以創建兩個歌詞播放清單，一個收集你欣賞的歌詞，另一個收集你覺得需要改進的歌詞，然後仔細研究其中的優缺點。這種對比分析能幫助你從中學習，提升自己的寫作能力。 5. 擴展音樂視野，尋找靈感...
了解歌曲的節奏
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對於初學者來說，理解歌曲的節奏是進入音樂世界的第一步。節奏是音樂中的脈搏，它就像心跳一樣，為整首歌曲提供穩定的律動。節奏不僅僅是鼓聲或打擊樂器的節拍，它貫穿於每一個音符和每一句歌詞中。那麼，什麼是節奏？我們該如何理解和學習它呢？ 什麼是節奏？ 節奏簡單來說就是音符的長短、強弱以及它們之間的排列方式。每一首歌曲都有自己的節奏模式，這種模式會讓音樂變得有規律、有生命力。舉個例子，當你聽到一首歌時，你會不自覺地想拍手或跺腳，這是因為你感受到音樂中的節奏在引導你的動作。 節拍與拍子 節拍（Beat）是節奏的基礎，是音樂中每個時間單位的重音。大多數流行歌曲的節拍是均勻分佈的，也就是說每一個節拍之間的間隔是相等的。當你在聽一首歌時，如果你能跟著打拍子，那就是你抓住了歌曲的節拍。通常，我們會將節拍以“1, 2, 3, 4”來數，這樣的模式稱為「四拍子」，是最常見的拍子形式。 除了四拍子外，還有三拍子、六拍子等不同的形式。三拍子聽起來就像是「1, 2, 3」的循環，常見於華爾茲等舞曲。了解不同拍子的結構有助於你更深入理解不同風格的音樂。 節奏型態與變化 節奏型態（Rhythmic Pattern）是音符與休止符之間的排列組合。在學習歌曲時，你可以留意每個音符的長短以及它們之間的間隔。例如，某些歌曲的節奏型態是簡單而重複的，這會給人一種穩定的感覺。而有些歌曲的節奏則會在某些部分突然加快或放慢，這會帶來更多的變化和情感表達。 當你試著編寫或分析一首歌時，你可以開始注意節奏型態是如何隨著歌曲的進展而改變的。通常，一首歌的副歌部分會有更明顯的節奏變化，這可以讓副歌變得更加突出和有力。 怎麼聽出節奏？ 對於剛開始學習音樂的人，學會“聽”節奏是非常重要的練習。你可以從簡單的歌曲開始，跟著音樂一起打拍子。你可以用手輕拍桌子、用腳打節拍，甚至可以輕輕點頭來感受音樂的律動。當你習慣了跟隨節拍時，試著仔細聆聽音符之間的變化，注意哪些音符較長、哪些較短，以及它們是如何形成整體的節奏。 創作中的節奏 當你進入創作階段時，節奏的選擇會直接影響到歌曲的風格和情感。快速而強烈的節奏適合舞曲或搖滾樂，而緩慢而悠揚的節奏則更適合抒情歌曲。在編曲時，你可以使用不同的打擊樂器來創造出豐富的節奏層次，或者僅僅通過音符的長短變化來塑造節奏感。 最後，無論你是聽音樂還是創作音樂，理解和掌握節奏是至關重要的一步。透過不斷練習和感受，你會發現節奏不僅僅是音樂的框架，它還是音樂情感的核心。希望這篇文章能幫助你在音樂的世界裡找到屬於自己的節奏感！
音樂中的和弦是什麼？五個關鍵要素
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和弦是音樂中的一個基本概念，簡單來說，它就是多個音符同時發聲所形成的聲音組合。想像一下當你在鋼琴上按下三個鍵時，這三個不同音高的音符一起響起，這就是一個和弦的基本原理。通常，和弦至少由三個音符組成，這三個音符按照一定的規則來排列，例如根音、三度音和五度音。根音是和弦的基礎音，而三度音決定了和弦的情感性質，是讓和弦聽起來明亮還是陰沉的關鍵。例如，如果根音是 C，當加上三度音 E 和五度音 G，這就是一個 C 大三和弦，聽起來會給人明快、積極的感覺。當和弦中的音符排列改變，例如把三度音變成降三度（E 變成 E 降），這個和弦會轉變成小三和弦，帶來更為憂鬱、沉靜的感覺。和弦不只是隨意的音符組合，而是經過精心安排的聲音結構，它能影響音樂的氛圍和情感表達。理解和弦的基本概念是學習音樂的第一步，無論是作曲、彈奏樂器還是欣賞音樂，都需要掌握這個重要的基礎知識。 1. 和弦的基本定義 簡單來說，和弦是同時演奏或聽到的三個或以上的音符組合。當多個音符按照特定的規則結合在一起時，它們形成了和弦。常見的和弦包括大三和弦、小三和弦、七和弦等。這些和弦根據音符的間距和排列方式，能夠傳遞出不同的情感，例如歡快、悲傷、緊張或輕鬆。 2. 和弦的種類 和弦有多種不同的形式，最常見的包括大三和弦和小三和弦。大三和弦由根音、三度音和五度音組成，通常帶來明亮、積極的感覺；小三和弦則是由根音、降三度音和五度音組成，通常表現出憂鬱或沉思的情感。此外，七和弦是一種更為複雜的和弦，加入了七度音，能為音樂增加深度和張力。 3. 和弦進行 和弦進行是指多個和弦按照特定順序排列，形成音樂的和聲結構。常見的和弦進行如 I-IV-V-I，這種進行模式在流行音樂和古典音樂中都非常常見。和弦進行能夠為歌曲提供方向感，並為旋律提供支撐。不同的和弦進行可以傳遞不同的情感，例如緩慢的和弦進行可能帶來舒緩的感覺，而快速的和弦進行則能增強歌曲的節奏感。 4. 和弦在情感表達中的作用 和弦是傳遞音樂情感的強大工具。通過選擇不同的和弦組合，作曲家可以營造出各種情感氛圍。例如，大三和弦常用於表現愉快或勝利的情感，而小三和弦則常用於表達悲傷或懷舊的情感。七和弦和其他更複雜的和弦則常用於表現緊張或未解決的情感，為歌曲增加情感層次。 5. 如何學習和使用和弦 學習和掌握和弦對於任何音樂人來說都是基本的技能。你可以從簡單的和弦開始，例如 C 大調和弦或 A 小調和弦，然後逐漸學習更複雜的和弦進行。通過實踐和聆聽，你可以開始理解不同和弦如何影響歌曲的情感和節奏，並在自己的創作中靈活運用。...
解決唱歌錄音的延遲 – 所有方法
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在電腦上錄音最煩惱的就是延遲，無論是監聽耳機裡聽到的還是錄進去電腦裡的聲音。以下是所有你有可能碰到的問題，和可能的解決方式。 其實，有時候延遲是需要的，因為當你做的音樂裡面放太多的效果器，如果沒有延遲，電腦會承受不了，你就會聽到一些 雌雌紮紮 的爆音，然後電腦一直卡。😬 還有就是，你要知道延遲是絕對有的。聲音經過電腦再到耳機，沒有 "零延遲" 的可能，只有長延遲和短延遲，你錄音的時候要求的是短延遲，短到你沒感覺。 在錄音的時候，我們不會想要聽到延遲。如果把所有效果器都關掉，電腦上沒有耗力的軟體，結果還是會延遲，那現在就給你兩個最簡單的解決方法! 忽略延遲，把監聽耳機裡面自己的聲音關掉，錄完後再把那個聲音檔案拉到對的位置。你的喉嚨到你的耳朵本身就是一個短延遲的監聽。 把音樂輸出為 .mp3 或是 .wav 然後用別的/開新的錄音軟體，把音樂放進去，跟著它錄音，然後再把錄完的音輸出放回去原本的。 這兩個方法可以讓你馬上治根，但是不能治本。如果你要解決真正的問題，就繼續讀吧!😀 在開始前，你可能需要知道一些英文單字，會在軟體裡面看到。 Latency: 延遲，單位為毫秒 (ms)。它是電腦接收到你的歌聲和輸出去那段歌聲的時差。 Buffer Size/Length: 緩衝量。想像一個郵局可以放多少包裹才會爆滿。這個數字越大就代表郵局裡 (錄音軟體) 可以放多少包裹 (數位聲音)。如果郵局很大，郵差就不用那麼累，慢慢的送到你的耳機。如果郵局很小，那就不能偷懶，對不對! 1. USB 麥克風延遲 USB 麥克風通常會有耳機孔在上面，你可以直接插進去然後調整...
怎麼在 FL Studio 加入新的插件
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所以你下載了新的樂器或是效果器，想要放進去 FL Studio 裡面開始使用，但是不知道怎麼做。這篇文章會一步一步跟你說怎麼做。 首先你要知道蘋果系統和 Windows 系統會有不同的檔案，但作法很相同 不過，首先我們要先知道我們下載的是什麼... 你在 FL Studio 最常用到的插件有四種: 音源 樂器 效果器 預設/Kontakt 樂器 我來一個一個跟你解釋它們是什麼和怎麼安裝。 音源 (Samples) 音源是聲音檔案，通常是 .wav 也有可能是 .mp3。 它可以是一段四個小節的音樂，也可能只是個很短的踢鼓。 你可以在網路上下載或是自己在一段歌/聲音上面剪下來。 我建議把所有你的音源整齊的放在一個資料夾裡，放在桌面，文件，音樂，哪裡都可以，找的到就好。 你可以直接從外面拉進去 FL Studio，你也可以讓你的資料夾出現在...
行銷你的音樂 (或任何東西)
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行銷就是讓一個東西會被某種方式被分享。 如果你跟我一樣是一個獨立音樂人，你會知道讓大家分享你的歌或是 MV 不是一件很容易的事情 (不然一個公司不會找一群行銷人才專門來做這件事)。 雖然我是用音樂來作範例，但是其他東西的原則是一樣的。 "東西" 可以是一本書，一件衣服，一個理念，或是一個人。 要讓大家分享你的東西，你必須確定這個東西： 被對的人看到 有分享價值 被對的人看到 大學的時候常常看見同學把自己 Facebook 的大頭貼換成社團廣告的海報。是蠻聰明的，因為當時 Facebook 會讓新的大頭貼放在很上面。 是會讓很多人看見沒錯啦，但這就像你在家庭聚會突然叫賣星期一早上曲棍球賽的票。 當你做完一首歌，不要馬上分享到所有你在的群組，第一是因為現在 Facebook/IG 會偵測到這些被到處分享的東西，然後放進黑名單所以比較不會被看見。 Facebook, Google, 和 Tiktok 會這麼大就是因為它們知道怎麼把東西放在對的人的眼裡，所以你知道你的東西要讓對的人看到絕對不是到處分享就好。 安靜的坐在咖啡廳裡，或是一個人在公園裡散步，或是在健身房裡，找到時間去仔細想 "對的人" 是誰。 語言?...
是不是不知道比較好
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每個人應該都有一個常去的網站或App 這個網站充滿圖片，文章，和/或是影片 滿滿，滿滿的都是 不管是什麼訊息，每一個都喊著: 看我!! 快看我!! 我們覺得知道越多訊息越好，才不會跟不上大家，才不會漏掉什麼訊息 這是因為我們把每一個都當作重要的機會，機會去增加知識，或去分享給朋友 這沒有錯啊 了解社會現在發生的事情很重要 增加知識也很重要，對不對？ ...但需要嗎？ 知識 什麼時候是有用的，什麼時候...會傷害你？ 真的越多知識越好嗎？ 我記得有個名字很難念的東西，叫制度正當化理論 它說，看到某件事情，有人會選擇轉頭，選擇往其他地方看，就因為不想問自己 我可以做什麼？ 因為思考這個問題壓力太大了，你知道的 但同時，如果去吸收它，或許你能夠動起來去幫助或做改變 這是對的還是錯的，就要看你的價值觀 每一則新聞，每一張照片，每一首歌，你都可以做這個選擇 忽略 吸收 忽略 照顧好自己的心理健康，但對社會沒有貢獻，因為如果每個人都忽略，問題可能會越大 吸收 讓你思考是否要行動去對這件事情做貢獻，但就會花到你的心力，你如果每一個都花心力，電池很快就消耗了 (就得睡覺) ......
後悔嗎？看這個
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痛是頭腦要我們以後不再犯同樣的錯誤 但今天你莫名其妙想到以前的事情，讓你很後悔，很痛 怎麼辦？ "以後不要再這樣就好了" 通常會是你朋友會跟你說的，當你打開自己告訴他們你後悔的事情 但是你還是會時常後悔 每次，心裡一個聲音一直不停地說： 當初要是我... "當初要是我" 是有關控制 我們不喜歡感覺像在狂風大浪裡，沒有舵的船隻上 拆開那後悔一層一層的包裝到核心你會發現你對這個不可預測的世界的恐懼 你戴上了很多多餘的責任所以你感覺你有在做事，在控制 但是事實上你沒有辦法控制所以你一直不停回去後悔那件事 一年，十年，二十年，都在後悔... 下次試這兩個方法 1 基本歸因謬誤 是當你忽略另一個人的所有經驗和因素，用自己現在的角度馬上評估他的行為 "對不起我遲到了" (出車禍) "你就愛睡！" (基本歸因謬誤) 在後悔時，那個你評估的人，是當時的你 專注在一個點，完全忽略當時的心理狀態，天氣，和所有你不知道或沒有記憶的因素 下次，你後悔的時候，想這兩個圈 你的引響沒有你想像的多 2 解讀一件不理想的事情發生，我們可以想說 原本可以更好的...(複雜的名稱叫上行反事思維)...
跳舞，不拔河
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一群人一起試著完成一件事的時候，有些人 - 可能大部分的人 - 會自然的對別人的意見都說 "好"，就算他不同意 因為糾紛不好，糾紛感覺像戰爭，重新思考會痛所以我們不想要弄痛他人 但是你可能經歷過 一個沒有糾紛的團體並不是和諧，而是冷漠 能不能接受一個反對你觀點的新點子，要看是 誰說的 傳達的方式 為什麼傳達 我，你，周圍的人，電視上的人，都常常會把反對的點子當作是對自尊心的威脅，然後馬上拒絕它 一個團隊在工作的時候，會有兩種爭執，衝突: 任務衝突: 當兩方為了有不同的做事方式而爭執 人際衝突: 當兩方在一起時互相有負面情緒 當人際衝突發生，當你討厭與你爭論的人，他說的所有話你絕對不會聽 實驗發現當一個團隊一開始就有人際衝突，成果會做的非常糟糕 如果團隊專注在任務衝突，不停的爭辯做事方式，成果通常會很好 這告訴我們這篇文章的重點: 隨時記得要保護價值觀 (你覺得重要的事情)，但常改變信念 (你覺得是對的事情) 如何辯論 丟，再丟，再丟更多，拿一桶子的資訊和事實往他的頭潑下去，這樣他就會同意我的觀點了對不對？ 當然不會 當我跟你說地球是平的，你再丟更多的證明和某某科學家的實驗給我，我都不會改變我的想法...
習慣不習慣
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我們都有好習慣和壞習慣 我們都想要多一點好習慣 - 多運動，吃健康... 等等 我們都想要少一點壞習慣 - 吃太甜，抽菸... 等等 很多人會說要養成好習慣就是要有多的 自制力 一直逼自己做某件事或是控制自己不要去做某件事，就是養成好習慣或是改掉壞習慣的方法 並不是 這裡我要給你四種方法來改掉壞習慣或是養成好習慣，不靠自制力 不，不是貼在朋友圈吸收支持，是真的做到 1. 自動駕駛 在高速公路上面開車你不會想你開車的技術，你會想其他的事情，你會聽廣播，你會聽音樂或是跟旁邊的人說話 習慣就像是開車，你已經做很多次了，多到你想都不用想你就會去做 可能要有人跟你提醒你才會發現你在做這件事 你必須建立你的生活環境所以你可以很容易的做到你需要做的事，還有很難的做到你想要改掉的事情 要控制自己不去吃冰箱裡的那個蛋糕很難，冰箱裡面沒有蛋糕就簡單多了！ 很重要很重要的是 磨擦 用心想怎麼減少好行動的磨擦，同時增加壞行動的磨擦 想要養成寫日記的習慣？把本子打開，和筆放在顯眼的地方。 2. 背背 想像你已有的習慣是一個大人，你想要養成的好習慣是一個小孩 小孩走著走，很快就累了，大人可以背著他繼續走直到他長大...
往上還是往下看
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有人說，你的個性，收入，學歷，等等，是你身邊五個人的平均。 所以為了要進步，你會試著和更高的人在一起。 但真的會進步嗎？ 我們是社交動物，無論你想都不想要，你一天內都會不停的跟別人比較。 通常你會比較注意到向上比較。 向上比較就是你比較你自己和一個在某個方面做的比你好的人。 向上比較很頻繁也很痛，因為它讓你感覺你是輸家，沒有達到這個你定的標準。 讓你一直覺得，待在一個地方就是落後。 表面上這是好事，它推動你進步。 但是很多時候，距離越遠，反而會讓你感覺不想要繼續往前。 這個壓力，如同遇到實際危險的壓力，會讓一個人找高風險高回報的選擇。像是衝動的投資，簽約，或做有生命危險的事情。 向下比較，最壞會讓你感覺太舒適，無須往前。但向下比較也能夠讓你試著保住贏家的位置，不但給你自信，也給你動力前進 所以哪種比較比較好呢？我們應該怎麼做？ 沒有答案。但是我認為你在每個方面都要學著用對自己最有利的方式來比較，或是做策略性的轉換。 大家都知道，不要和別人比較，跟自己比較就好。但除非你獨自住在深山裡，這是不可能的。我們需要在當下意識到自己在做比較，然後去選擇是否要轉換，找到一個往上和往下看的平衡，才能往前。
蜈蚣效應 – 讓你變更強的學生
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The Centipede’s Dilemma 蜈蚣效應，是一個 1889 年的短詩講有關一隻蟾蜍問一隻正在走路的蜈蚣 你走路的時候，是哪隻腳接著哪隻腳？ 蜈蚣思考了這個問題沒辦法回答，變成整個癱瘓，動也動不了。 如果你是一隻蜈蚣，你今天要從家裡去池塘喝水，你在想甚麼，當然不是哪隻腳先走哪隻腳後走，是你口渴，所以要喝水。 彈吉它的時候，一樣，不能一直都在思考手指的位置。 就像騎腳踏車也不能一直在想左右平衡，你會跌倒。 技術是日積月累的沒錯，但是這樣的思考模式會讓你失去信心。兩個方法解決： 一：永遠不要向上比較 你一向上比較，就沒有動力了。 二：要知道你已經 “會” 了 對，技術是日積月累的，所以你學一天，理論上就有這個技能。 重點是在應用。 你可以會了十個單字就來寫英文小說，寫得好不好? 不重要，你會在寫小說的過程中讓自己去找更多的單字，看書去學別人怎麼寫句子，全部是自動的因為你渴望把你的故事說出來。 你今天要會彈吉他寫歌，但只會兩個和弦，當然可以，為什麼不行。你就去寫，寫一首寫十首等你開始覺得你想要寫更多，你再多學兩個和弦然後用這四個和弦再去寫一百首歌。 甚麼目標會讓你有最大的動力? 知道這個目標你就會自己走了。 學校不會教你這個學習方式。 但是不是無理，因為人這麼多，最有效率把一群小孩教育成一群可以融入社會的市民就是用一樣的教材和一樣的考試來評分。 壞處就是讓學生太在乎分數，讓低分數的學生感覺被鄙視慢慢製造出一種刻板應像說：低分數等於壞市民，然後害低分數的學生在淺意識裡真的給自己壓力要去歸類在這個刻板應像，然後可能真的去做傷害社會的事。 這系統就是個蜈蚣，我希望它可以停下來思考一下它現在走向的大目標是甚麼。
這年代，如果你要走音樂．．．
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人生不管你走甚麼路，不要模仿你崇拜的人曾經是怎麼走的。 不要聽他們講要多努力要學這個那個的，因為每個人都會碰到不同的機會和遇到不同的人或許還在不同的年代有不同的科技和資源。 去觀察別人為什麼失敗。這個比你想像的難因為在所有平台大部分的人只會報喜不報憂。 這就是為什麼人要談心，去知道為什麼會跌倒，因為你不會想要絆到同一個石頭，而如果在你能力範圍，你還可以把他們扶起來。 追夢，但先確定這夢有符合現在全球資本主義。 這句話聽起來很不浪漫但是這是不能忽略的一個基本的指南針。 你的夢要能夠賺錢。 我當初沒有考慮到這個，我認為說，走音樂就是直接跳下去，然後一直練鋼琴一直編曲一直出東西，最後就會被發現了然後就有錢了，就像是某某某音樂界很有名的人。 我們看報導看書看文章聽講座等等的，很多故事有立志的感覺，你會看到某些人感覺真的很成功很像你想要自己有的樣子，這都叫 Survivor’s Bias 倖存者偏差，就像飛機墜落活下來的唯一一個人在那邊說： 喔，飛機墜落又怎樣? 你看我不是好好的？ 你可能會覺得這個例子很傻，你可能是那種人可以馬上看穿一個老鼠會的商業形式或是邪教或是不會去買樂透，但是我們常常還是傻傻地去看自己業界表現好像很強的那個人，去羨慕去忽略這冰山一角下多少失敗的例子，然後就跟著他的腳步。 新聞會這樣，電影會這樣，自傳會這樣，社交平台也是會這樣。 你當然可以很羅曼蒂克的去闖，但是你要有這個基本的認知，就是你要有足夠的收入負擔你的責任。 你知道一個傻瓜就是知道他有很大失敗的機率但還是去做 而一個勇敢的人就是知道他有很大失敗的機率但還是去做 這就是為什麼人生這麼困難。 所以我想，一定時時刻刻平衡現實和夢想。 音樂本身賺不了錢，是事實，你必須要有一個兼職或是正職的工作，不管做甚麼都把它做好，如果工作跟音樂沒有關聯，盡量做時薪PT制的所以你下班不用再煩惱。如果跟音樂有關， 那就試著連結你自己和公司的事業，或是當作學習和不刻意地去建立人脈。 有了收入，你就可以好好思考和規劃你音樂的事業。 我問你，你會不會炒一盤九層塔來吃？大部分的人不會，對不對? 直接吃九層塔很奇怪，但是，你在一道菜裡加入這個調味料，這道菜突然會變得很好吃。 音樂就是九層塔，它很少很少是被單獨吃的。 我給你一個作業好了。你寫下來你一個禮拜在甚麼環境甚麼狀況會聽到音樂？我猜應該是有買東西的時候，餐廳吃飯的時候，車上，健身房，玩遊戲，看影片，看表演，很少人會真的戴上耳機閉上眼睛，躺下來仔細聽音樂。 如果你去觀察這些地方你會發現，音樂都是跟某種聽覺以外的體驗，來做連結。 所以我們一大工作，就是去找，連結。去想辦法怎麼連結音樂和某個東西。...
你！有沒，有…節奏?
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一天當中，我們會用兩種方法來想事情。 第一種是有意識的思考，像是當你要解決一個感情的糾紛，或是決定午餐要吃麵還是飯 第二種方法是無意識的思考我們稱為習慣，像是你刷牙的方式和呼吸。 這些第一種，有意識的思考讓你每天多了很多的弦律和色彩。 可是真正穩住你整個理智和會決定你未來型態的那冰山一角之下，是那些第二種無意識的思考。 一首音樂裡，這就叫節奏。 我不知道你的節奏是什麼，節奏有很多種。 有旋律的節奏，有和弦的節奏，但這些其實都是從最基本 - 鼓的節奏 - 去延伸出來的。 鼓的節奏，就是 大鼓 小鼓 因為，不管你是獨唱還是在彈鋼琴，能不能讓觀眾的內心搖擺，關鍵就在你在演奏時心裡有沒有一個節奏。 我在彈鋼琴的時候，我同時想三件事情： 我要彈甚麼和弦 我的右手要唱甚麼旋律 我想像我的左手左邊部位是大鼓，右邊部位到右手是小鼓，我正在用它們打甚麼樣的節奏。 這樣就會在我心裡的大鼓出來的時候在左手左邊部位稍微用力一點，心裡的小鼓出來的時候右邊部位稍微大力一點。 這是我彈鋼琴的方式，其他人其他樂器會有不同的思維。但普遍來說這就是為什麼一個人可能學一個樂器很久但演奏不出感情，就是因為心裡沒有一個節奏在帶動他的音樂。 不用擔心，我現在跟你說，這不會很難，很多很多的音樂用的節奏，我可以總結成基本的三種。你只要會這三個就好了。 第一個節奏，我稱為嘻哈節奏，因為就是有那個感覺。 咚 洽咚 咚洽 熟悉這個節奏，你可以再做很多的變化，比如加入一些咚，像是 咚 洽咚...
6 種方式發揮文字的力量
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我最喜歡的社會心理學家 Jonah Berger 出了一本新書叫 Magic Words。我常常應用他的書在我製作的內容裡。這本書目前都沒有中文翻譯，這裡是我做的整本書的總結。 以下是六種方式去發揮文字的力量，無論是在對話中還是製作內容都可以用到。 身份 1. 把動詞變成名詞 - 如果你要鼓勵或說服一個人 與其說「你可以幫忙嗎?」 ，說：「你可不可以當我的幫手」 2. 把「不能」變成「不」 - 堅定自己 跟別人說「我不吃甜食。」比「唉呀，你知道我不能吃甜食的...」還要堅定多了。 3. 把「應該」變成 「可以」- 解決兩難危機 碰到道德上兩難的危機時，問自己應該怎麼做會讓你卡住。問自己可以怎麼做，讓你思考和探討自己的能力和資源，以便解決問題。 4. 用第三人稱來跟自己說話 - 降低焦慮 「你可以的！」 5....
MIDI 是什麼 + 2024 MIDI 2.0 更新
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雨傘，腳踏車，和湯匙都有一個共同點，就是它們都是經典的設計，我們很難再發明更好的方式去遮雨，一個速度快而且不需要燒燃料的交通方式，或是一個喝湯的器具。 MIDI 也是一個經典的設計，已經很難再發明出更有效率的方式去用電腦紀錄音樂。 所以 MIDI 是甚麼？ 要了解 MIDI 是甚麼，你可以想像你應該熟悉的五線譜或是簡譜，這是兩種人用來紀錄各式各樣的音樂的一個協定，一個規則。 會讀譜的人，看到一個四分音符在高音譜的第一條線上就會知道這意思是咪，然後就用他手中的樂器吹出咪這個聲音。 或是，看著簡譜寫數字二，就知道是蕊，因為音階 斗蕊咪 的第二個音是蕊。他如果在唱歌，看到數字二，就會唱出來 蕊 這個音調。 所以我們有譜，人，和某種會發出聲音的樂器，這三個東西要在一起，旁邊的觀眾才可以聽到音樂。 那你要了解的是，譜本身不是音樂，譜放在那邊不會發出聲音，對不對，譜就是一個指示而已，人用眼睛看到譜，然後在頭腦裡想，喔，在這裡我要吹甚麼音，多長，和多大聲 然後人手指頭在樂器上照樣按，吹，聲音就出來了。 很多人會覺得 MIDI 是音樂，但是它不是，它也只是另一種譜，另一種紀錄音樂的方式。 蘋果，Apple, La Pomme，只是不同的語言說同一個東西。 MIDI 也只是另一種譜來記錄音樂。 所以剛剛說的 譜 人 樂器...
五線譜音符 LINE 貼圖
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40 個 LINE 貼圖立即下載 很多人小時候音樂課有學過五線譜，這是一個在音樂世界裡面一個很重要的技能你知道為什麼嗎？ 只要是人，一生一定會想過要怎麼在離開世間之前留下一個腳印說: 我曾經存在過，我做了這些事。 所以我們用各種語言的文字來記下來各式各樣的故事。 音樂很有趣，它也是一個語言，一個全世界都聽得懂的語言，來敘說一個一個比較主觀的故事。 了解怎麼讀五線譜讓你可以回到好幾百年前聽某個作曲家想要說的故事，也可以讓你記下來你的故事，讓幾百年後的人聽見你現在腦海裡的弦律。 所以我想，甚麼方法可以讓學習讀譜更有趣？ 就是貼圖。貼圖表達情緒比文字多，所以用久了就會不知不覺學到很多不同符號的意思，讓學習讀譜感覺更自然和生動。 40 個 LINE 貼圖立即下載
11 個音樂製作人必學的英文單字
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這世代有很好地搜尋和應用能力比學歷還重要，你只要懂得怎麼問對的問題和知道去用甚麼文字搜尋，你就可以找到所有你需要的工具和怎麼用這些工具去解決問題。在音樂製作上面，一個很重要的要求應該就是找到你需要的音色。 以下是我認為所有你需要知道的關鍵字和它的意思。把它們背起來，我保證會讓你做音樂的效率大增。 Transition 從一個段落到另一個段落比如說主歌到副歌，很多很多時候加一個 Transition 會讓整個轉換變得非常的順。你如果查 Transition 會找到各式各樣的轉換，讓你找到適合你這首歌的風格和感覺，像說一個故事一樣，讓角色從一個地方到另一個地方。 Impact 通常在 Transition 後面加上一個重擊，會讓你這個部分更有震撼感，無論你是做震撼音樂還是抒情歌，一個好的 Impact 可以讓你的情緒表達更有作用。 Lead 甚麼弦律在上面帶領這首歌？當然是那個最明顯的聲音，去找你喜歡的 Lead 來代表你的洗腦弦律。 Foley 在電影裡面這世界真實錄的聲音，比如說如果一個動畫的角色在走路，Foley 錄音師就會用類似的鞋子和地板去錄它的腳步聲。放進去各種 Foley 在你的音樂裡尤其是疊在樂器上，會給你很特別，獨一無二的聲音。比如說小鼓可能感覺很無聊，可是你在上面疊上一個 Foley 聲音像是鐵，整個感覺就不一樣。 Stab 短暫衝擊力強的聲音，一個最經典的 stab 大概就是一個嘻哈 beat...
偶發性學習 – 好的意外，好的錯誤
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在自我學習的過程中，學會一個技能的旅程通常被視為一條由嚴格練習、奉獻龐大時間和清晰的目標認識標記的直線路徑。 然而，這個旅程中一個關鍵但很少被討論的元素，就是偶發性學習 (Serendipitous Learning)。 這個概念指的是從意外的錯誤中獲得的新見解或技能。我認為任何人要創新都要了解這個概念，老師和家長也需要讓小孩了解它。 偶發性學習發生在一個人通過重複練習或實驗，做出一個意外的錯誤，從而導致新的理解、技術或發現。這些意外的時刻是無價的，因為它們促進了創新、創造力更深層次的接觸。 忽視完美 把偶發性學習放在自我教育旅程可以有轉變性的影響。為什麼？ 從事藝術創作，像是音樂和舞蹈，表現完美的壓力可能使練習令人反感。一直重複一直重複一直重複做同一個動作久了都會讓任何人問自己： 我到底在幹嘛？這有什麼意義？ 但當你理解，錯誤可以導致有價值的發現，你就可以緩解這種壓力。讓你更能夠去真正的重視韌性、好奇心和在熟悉中發現新事物和意外的喜悅。 我自己的經驗和應用 我從練鋼琴很早就學到這個觀念，但一直都沒有和別人分享或討論因為我不知道要怎麼稱呼它。我發現當我把腦袋放空 (比較漂亮的說法是...陶醉) 一直重複彈一段我已經很熟悉的和絃進行，我知道最終，左手某一個手指頭會彈錯，讓我找到一個新的和弦或是和弦進行，然後記錄下來這個新的和絃進行。 我大可以找老師來教我各種和弦進行然後苦背苦練每一個，但最後能彈出的大概頂多只能完美的重複歷史，且那是說如果沒有無聊到放棄在途中。 偶發性學習不只會讓你有一種...我現在的技能完全是自己建造的...的感覺，還會讓你長久做一件事。 這才是最重要的。
音樂對 “不適應性白日夢” 的影響
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一項發表在《音樂心理學》期刊上的新研究深入探討了不適應性白日夢，提供了音樂在塑造這些生動而沉浸式體驗中扮演關鍵角色的證據。 該研究表明，對許多人來說，音樂不僅僅是背景聲音，而是一種強大的催化劑，增強了他們白日夢的深度、情感和創造力。 不適應性白日夢是心理學中一個相對較新的概念，由 Eli Somer 在 2000 年代初確定。它描述了大量的幻想活動，取代了人際互動，干擾學術、社交和職業活動。與每個人都會經歷的偶爾白日夢不同，不適應性白日夢是生動、廣泛且經常伴隨著複雜情節的，這些情節提供了逃避現實的機會。 Somer 因對一些人如何如此沉浸在內心世界的迷戀而開展了這項新研究，他試圖理解這種強烈形式的白日夢背後的機制。有鑑於現有的研究表明音樂在喚起情感和記憶方面的強大作用，Somer 尋求探索音樂如何與不適應性白日夢相互作用，可能作為這些沉浸式心智體驗的催化劑。 Somer 解釋說：“作為一名專門治療和研究兒童創傷、解離和想像力的臨床心理學家，我對於一些患者如何深入沉浸在他們心中的精心構想的夢幻世界中，以至於干擾他們的日常功能，感到非常好奇。” 為了探索音樂與不適應性白日夢之間的聯繫，Somer 通過異步電子郵件訪談了41名在不適應性白日夢量表（MDS-16）上得分較高的人，該工具旨在評估白日夢的嚴重程度。參與者被要求描述他們在白日夢期間與音樂相關的體驗，並與沒有音樂涉及時進行比較，反思音樂如何影響他們的白日夢強度和內容。 Somer 對回應的分析揭示了音樂在不適應性白日夢背景下的多面角色。大多數參與者報告說，音樂顯著增強了白日夢體驗。它充當了創造力的催化劑，使人能夠在心中構建詳細和情感豐富的敘事。 “音樂可以將不適應性白日夢者從外部現實轉移到他們的內心幻想世界，通過喚起情感和創造力使白日夢情節更加生動和引人入勝。” “音樂成為實際故事情節的一部分。” 參與者描述了音樂如何決定他們白日夢的節奏、方向和情感深度，有效地充當他們內心敘事的配樂。這凸顯了音樂對白日夢體驗的強大和沉浸式影響，增強了白日夢的生動性和情感強度。 “就像電影配樂在不知不覺中塑造情感、主題和敘事一樣，我驚訝地發現在不適應性白日夢中的音樂喚起情感並成為整體情感旅程的一部分。” 音樂不僅作為這些白日夢的背景，還充當了一個觸發器，可以自發地啟動白日夢過程。這一發現尤其值得注意，因為它凸顯了面對音樂刺激時不適應性白日夢自動且有時不可控的本質。 “對於一些有不適應性白日夢的人來說，音樂是一個不可避免的觸發器，損害了他們對何時滑入過度、干擾性白日夢的控制或自主性。” “這表明了一種令人擔憂的成癮或依賴關係。” 然而，研究也揭示了音樂在不適應性白日夢中角色的變化性。少數參與者發現音樂是一種分心或甚至與他們的白日夢不相容的，表明音樂對不適應性白日夢的影響高度個體化。這凸顯了不適應性白日夢的複雜性和音樂對白日夢過程影響的主觀性。 這項研究為理解音樂如何塑造不適應性白日夢提供了有價值的見解，並為進一步研究這一獨特現象奠定了基礎。通過揭示音樂在驅動和增強白日夢過程中的角色，Somer 的工作為探索音樂、情感和想像力之間的交互提供了一個重要的起點。 對於那些經歷不適應性白日夢的人來說，這項研究可能提供了對他們自己經歷的更深刻理解，並為臨床實踐提供了洞察力，幫助他們更好地管理與這種狀態相關的挑戰。隨著對不適應性白日夢研究的興趣日益增長，Somer 的工作為未來探索開辟了新的道路，可能會揭示更多關於音樂、心理和白日夢之間複雜關係的見解。
Compressor 壓縮器的 “Knee” 是什麼意思？
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控音/混音的 Compressor 有很多的控制：Threshold，Attack 等等的，其中一個最模糊的控制就是 Knee。這裡給你一個很簡單的解釋。 我要你想像一個魔法溜滑梯，當你直直溜下來的時候速度太快，這個魔法溜滑梯就會彎曲，所以當你碰到溜滑梯彎曲的部份的時候，就會減速。 在音樂裡： 你滑下來的速度 = 聲音的音量 溜滑梯彎曲的部分 = 壓縮器的 knee 如果你滑下去是正常的音量，溜滑梯/壓縮器就不會彎曲，是要你滑太快叫太大聲，溜滑梯/壓縮器就會彎曲。 Hard Knee 硬膝：當你滑得太快時，溜滑梯會突然彎曲很多，這就像壓縮器突然降低音量一樣。 Soft Knee 軟膝：當你開始滑得快一些時，滑梯會慢慢彎曲，這就像壓縮器在聲音變大時慢慢降低音量一樣。 Compressor 壓縮器中的 Knee (膝蓋) 就是決定如何減緩大音量的部分，讓所有的聲音聽起來都平滑，就像這個魔法滑梯確保你的滑行安全一樣，知道了嗎？
一首歌曲可以沒有旋律嗎？
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在音樂的世界中，旋律常常被認為是歌曲的核心之一，它是讓一首歌悅耳且容易記住的部分。然而，是否所有的歌曲都必須擁有旋律？這是一個有趣的問題，尤其是當我們考慮到現代音樂中的多樣性時。事實上，一首歌曲可以在某些情況下沒有明顯的旋律，並且依然具備強烈的音樂表達力。讓我們探討這個議題，並分析沒有旋律的音樂是否仍然可以有效傳遞情感。 1. 節奏和和聲可以取代旋律 旋律缺失的情況下，節奏和和聲成為音樂的主要驅動力。例如，許多打擊樂重的音樂，如非洲鼓樂、電子音樂或某些古典作品，會使用複雜的節奏和豐富的和聲來創造情感效果。在這些作品中，雖然旋律並不顯眼，但節奏和和聲的變化卻能維持音樂的張力和聽眾的興趣。 2. 語言和節奏在說唱音樂中的應用 在說唱音樂（Rap）中，歌手更多是使用語言的節奏和強調音調變化來傳遞情感，而非傳統的旋律。說唱中的歌詞主要依賴節奏感和語速，並透過聲調的起伏來加強音樂的力量。這種音樂形式證明了旋律並非音樂不可或缺的元素，因為它仍能吸引聽眾並傳達有力的訊息。 3. 和聲和背景音樂的主導作用 在某些情況下，歌曲會使用和聲和背景音樂作為主要元素，旋律則處於次要地位。例如，一些現代實驗音樂、背景音樂或某些器樂作品中，和聲和音效的運用遠比旋律更為突出。這些音樂旨在創造一種氛圍或背景，而不依賴旋律來引導聽眾的情感反應。 4. 從無旋律到旋律的對比 儘管沒有旋律的部分能夠創造獨特的聽覺效果，但很多音樂創作者會選擇在某些段落後引入強烈的旋律，形成鮮明的對比。例如，某些古典音樂和前衛搖滾音樂中的作品，可能會在長時間的和聲或節奏段落後，突然加入一段具體而清晰的旋律，這樣的變化會給聽眾留下深刻的印象。 5. 當旋律不明顯時，其他元素的重要性 當旋律不再是主角時，其他元素如節奏、和聲和聲音設計會承擔起更多責任。音樂製作中的這些元素能夠創造出豐富的聲音層次，即便旋律不明顯，音樂依然可以帶來深刻的聽覺體驗。 總結 節奏和和聲可以取代旋律：節奏和和聲可以在缺少旋律的情況下支撐整首歌曲。 說唱音樂中的語言節奏：說唱以語言的節奏和音調變化取代傳統旋律。 和聲和背景音樂主導：某些音樂使用和聲和背景音樂來傳達情感，而非旋律。 旋律的對比效果：無旋律段落和旋律段落之間的對比可以加強音樂效果。 其他元素的重點作用：當旋律不突出時，節奏、和聲和聲音設計成為音樂的焦點。 這些例子證明，音樂並不一定需要旋律來達到情感和創意的表達效果。即便旋律缺失，其他音樂元素依然能夠創造出引人入勝的音樂體驗。
如何描述一首歌曲中的旋律：五個關鍵要素
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旋律是一首歌曲的靈魂，它決定了歌曲的情感走向，並且往往是聽眾最容易記住的部分。無論是輕柔的抒情曲還是強烈的搖滾樂，旋律都是引導歌曲前進的重要力量。這篇文章將帶你了解如何描述一首歌曲中的旋律，從不同的角度分析旋律的特徵與功能。 1. 旋律的音高變化 旋律的音高是指音符之間的相對高度。當我們談論一首歌的旋律時，首先要觀察音符是否以平滑的方式逐步上升或下降，還是以更大跨度的方式跳躍。逐步的音高變化通常會給人一種平靜或流暢的感覺，而跳躍的音高變化則更具戲劇性和緊張感。這種變化能夠幫助旋律展現出更多元的情感層次，讓歌曲更具吸引力。 2. 旋律的節奏感 旋律的節奏決定了音符之間的時長與間隔。快速的旋律通常會讓歌曲顯得活潑、動感，而慢速的旋律則能傳達出深情或憂傷的氛圍。除了速度，旋律的節奏模式也非常重要。有些旋律的節奏簡單而有規律，而有些則採用不規則的節奏，創造出更複雜的聽覺效果。旋律節奏的變化是歌曲情感流動的重要推動力。 3. 旋律的音程 音程是指兩個音符之間的距離。在分析旋律時，我們可以觀察旋律的音程是如何影響歌曲的情感張力。例如，較大的音程（如八度跳躍）往往會帶來強烈的情感爆發，而較小的音程（如半音或全音的移動）則會創造出更加細膩的情感。音程的運用是旋律設計中的一個重要元素，它決定了歌曲的緊張感和舒緩感之間的平衡。 4. 旋律的重複與變化 好的旋律往往具有一定程度的重複性，這讓它更容易被記住。然而，旋律的重複不應該是單調的，通常會在細節上進行微調或變化。這些變化可以是節奏上的細微改變，或者是音高上的略微調整，從而讓旋律既熟悉又有新意。這種重複與變化的結合能夠讓聽眾感受到旋律的發展與演進。 5. 旋律的情感表達 最終，旋律的功能是表達情感。無論是透過上升的音階帶來的興奮感，還是透過下降音階帶來的沉思感，旋律總是在傳遞某種情感信息。當我們描述一首歌曲的旋律時，應該思考這段旋律帶來了什麼樣的情感反應，它是如何與歌詞和伴奏相互作用的。一首好的旋律往往能夠直接打動聽眾的內心，與他們的情感產生共鳴。 總結 音高變化：觀察旋律的上升或下降方式，了解其情感效果。 節奏感：分析旋律的節奏模式，理解它對歌曲氛圍的影響。 音程運用：音程的大小決定了旋律的情感張力。 重複與變化：旋律的重複中應包含變化，保持新鮮感。 情感表達：旋律的最終目的在於傳遞情感，與聽眾產生共鳴。 掌握這五個要素，將能幫助你更好地描述和理解一首歌曲中的旋律，並提升你對音樂的欣賞能力。
如何分析一首歌曲：六大步驟幫助你深入理解音樂
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分析一首歌曲是一個深入探索音樂的過程，從結構到情感、旋律到和聲，每個元素都扮演著重要的角色。這篇文章將帶你一步步學習如何透徹分析歌曲，幫助你更好地理解音樂，並提高自己的音樂鑑賞能力。 1. 分析歌曲結構 歌曲的結構決定了其節奏與發展。一首歌通常由多個部分組成，包括開場、主歌、副歌、過門、橋段和結尾。這些段落如何重複或變化可以揭示歌曲的故事走向和情感表達。例如，副歌往往是最具情感衝擊的部分，而過門或橋段則可以引導歌曲進入不同的情緒階段。了解這些結構如何作用，能幫助你更深入地感受歌曲的起伏和情感流動。 2. 歌詞解析 歌詞是歌曲中傳遞故事和情感的核心。首先，你可以分析歌詞的主題、用詞和敘述角度，看看它們如何表達某種情感或故事。具象的詞語、隱喻和比喻等修辭手法能讓歌詞更富有層次感。例如，有些歌曲會用隱喻來表達愛情、痛苦或希望。觀察歌詞中的這些元素能幫助你深入理解歌曲的核心訊息。 3. 旋律與和聲 旋律是歌曲的靈魂，決定了它的音樂走向和情感基調。分析旋律時，可以留意音符之間的間距，看看它們是否以逐步或跳躍的方式移動。寬大的音程可能帶來戲劇性，而較小的音程則往往表現出平靜或哀傷的情感。和聲則是旋律的支持系統，它通過不同和弦的運用來創造情感深度。例如，某些和弦進行能讓歌曲聽起來更歡快，而其他和弦則可能帶來沉重感。 4. 節奏與速度 節奏和速度是決定歌曲感受的關鍵因素。節奏的複雜程度和速度的快慢直接影響聽眾的情緒體驗。例如，快速的節奏可能表現興奮或緊張的情感，而慢速的節奏則往往表現沉思或悲傷的感覺。分析歌曲時，可以觀察不同部分的節奏變化，例如副歌是否比主歌更強烈，或者是否在歌曲某處有節奏的突然改變來加強某種情感。 5. 配器與動態 歌曲中的樂器選擇和它們的排列方式對歌曲的整體感受有重大影響。每一種樂器都有其獨特的音色，能夠強調歌曲的某些部分。動態則是指音樂中的音量變化，從而表現情感的高低起伏。觀察歌曲中哪些部分音量較大或較小，可以幫助你理解歌曲的情感轉折點。例如，副歌可能會有更大的音量，給人一種情感爆發的感覺，而主歌則可能相對較為安靜，表現出內心的深思。 6. 個人反思與聯繫 分析歌曲時，與其建立個人聯繫能讓你更深入地理解其情感和意圖。歌曲的歌詞、旋律或整體氛圍可能喚起你個人的回憶或情感，這使得分析過程更具個人化。思考這首歌如何與你的生活經歷產生共鳴，並將這些感受融入到分析中，能幫助你更加全面地理解歌曲的意圖。 總結 歌曲結構：觀察不同段落的重複與變化，了解情感流動。 歌詞解析：剖析歌詞中的主題、隱喻和敘述角度。 旋律與和聲：留意旋律的走向與和聲的支持作用。 節奏與速度：分析節奏的複雜程度和速度的變化如何影響情感。 配器與動態：觀察樂器的選擇和音量變化如何強化歌曲情感。 個人反思：與歌曲建立個人聯繫，深入理解情感表達。 透過這六個步驟，你將能夠更全面地分析和欣賞一首歌曲，並提高自己的音樂鑑賞能力。
一首好歌的六個關鍵元素
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當我們聽到一首喜愛的歌曲時，往往會被其中的某些特質所吸引。一首好歌不僅僅是旋律悅耳，它能讓人感到情感共鳴，並且長久地留在我們的記憶中。接下來，我們將討論六個讓歌曲變得出色的關鍵要素。 1. 情感共鳴 歌曲的核心是能夠引發聽眾情感上的共鳴。一首成功的歌曲會讓聽眾感受到某種情緒，不管是喜悅、憂傷，還是懷舊之情。這些情感往往來自歌詞與音樂的結合，能夠將創作者的內心世界傳達給聽眾，讓每個人都能感同身受。例如，有些歌曲通過溫柔的旋律和深刻的歌詞帶來治癒的效果，而其他歌曲則以強烈的節奏喚起活力與力量。 2. 簡潔而有力的旋律 旋律是歌曲最容易讓人記住的部分。好的旋律應該簡單、流暢，並且具有重複性，這樣才能讓聽眾在短時間內輕鬆哼唱出來。一首好歌的旋律不需要過於複雜，但它需要抓住聽眾的注意力並且能夠長久留在記憶中。無論是流行音樂還是搖滾，旋律的設計對於歌曲的成功至關重要。 3. 強烈的歌詞 歌詞是讓歌曲更具故事性與深度的要素。好的歌詞能夠傳達一個故事或表達特定的情感，讓歌曲不僅僅是音樂的欣賞，還能讓聽眾深入思考和回味。無論是簡單直白的表達，還是隱喻與象徵的使用，歌詞的內容都能夠為歌曲增加層次感，並與旋律形成完美的搭配。 4. 專業的音樂製作 音樂製作是讓歌曲從普通變得非凡的關鍵。現代音樂的製作技術能夠大幅提升一首歌曲的質量，從混音到聲效，每個細節都對歌曲的整體效果至關重要。一些經典歌曲之所以能夠歷久不衰，除了旋律和歌詞外，其製作水平也是無可挑剔的。無論是節奏的運用還是聲音的平衡，都能為歌曲增添額外的魅力。 5. 創新的編排 好的歌曲結構應該有創意並且不斷變化，避免讓聽眾感到乏味。一首成功的歌曲通常有明確的段落，包括開場、主歌、副歌、過門等，每一段都能夠保持聽眾的興趣。同時，在歌曲中加入意外的變奏或轉折，能夠讓歌曲更加引人入勝。 6. 獨特的音樂風格 最後，一首好歌往往會擁有自己的風格特徵，使其在眾多作品中脫穎而出。這種風格可以是特定的樂器運用、特殊的聲音效果，或者是與眾不同的歌唱方式。無論是哪種方式，風格的獨特性是讓歌曲變得特別且易於被辨認的原因之一。 總結 情感共鳴：歌曲應該讓聽眾能夠感受到具體的情緒。 簡潔旋律：容易記住且流暢的旋律是好歌的基礎。 強烈歌詞：好的歌詞能夠傳遞深刻的故事和情感。 專業製作：高質量的音樂製作能提升歌曲的整體效果。 創新編排：不斷變化的結構能夠保持聽眾的興趣。 獨特風格：擁有鮮明個性讓歌曲更具辨識度。 掌握這些元素，一首歌就能不僅僅是動聽，更能在音樂世界中長久留存。
6 個讓歌曲結構更具吸引力的關鍵要素
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在創作歌曲時，如何安排歌曲的結構對整體的情感流動與聽眾的體驗至關重要。一首成功的歌曲通常具備多個部分，每個部分都有其獨特的功能，協助將情感和訊息傳達給聽眾。今天我們將探討歌曲結構中的六大要素，幫助你更好地理解如何創作出完整的音樂作品。 1. 開場段落（Intro） 開場段落是歌曲的起點，負責吸引聽眾的注意。它通常較短，但能夠建立歌曲的氛圍與主題，讓聽眾進入歌曲的世界。不同風格的歌曲可能會選擇不同的開場形式，有些可能使用樂器獨奏，而另一些則可能選擇直接進入旋律。 2. 主歌（Verse） 主歌部分通常用來展開故事，敘述歌曲的背景或情感細節。這段音樂相對較為平靜，通常伴隨著比較少的樂器編排，讓歌詞的敘述能夠更加突出。主歌為歌曲的高潮做鋪墊，是整體結構中不可或缺的一部分。 3. 副歌（Chorus） 副歌是整首歌曲的高潮部分，通常是最令人印象深刻的部分。副歌往往包含歌曲的主題或關鍵訊息，使用較為強烈的音樂編排，帶給聽眾最大的情感衝擊。這也是大多數聽眾最容易記住的部分，因此如何設計一個強有力的副歌至關重要。 4. 過門（Bridge） 過門部分通常出現在歌曲的中段，用來將不同的段落連接起來，為歌曲增加新的變化。過門可以是情感的轉折點，或者是歌曲中的另一個情感高潮。它的存在讓歌曲不至於過於單調，增加了聽眾的期待感。 5. 中段樂段（Solo / Interlude） 中段樂段通常是樂器獨奏，讓特定的樂器或旋律佔據主導地位，讓歌曲進行一些音樂上的變化。這段音樂不僅能展示音樂的技術性，還能提供歌曲情感上的對比，帶給聽眾耳目一新的感覺。 6. 結尾（Outro） 結尾部分是歌曲的最後一段，通常會回顧或延續副歌中的元素，並帶入新的音樂片段，讓歌曲達到一個完美的結束。許多歌曲會選擇逐漸淡出音樂，讓聽眾慢慢從歌曲中退場，而有些則選擇以強有力的結尾來留下深刻印象。 總結 開場段落：為歌曲設立基調，吸引聽眾的注意。 主歌：展開歌曲故事，為高潮鋪墊。 副歌：歌曲的高潮，情感的釋放點。 過門：連接不同段落，增加變化和情感轉折。 中段樂段：展示音樂技術性，提供情感對比。 結尾：讓歌曲在強烈的情感中結束，或慢慢淡出。 掌握這六個元素，你將能夠創作出具有層次感和吸引力的歌曲，讓聽眾沉浸其中。
音樂的五個元素
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音樂的五個元素你知道是甚麼嗎？ 一首歌曲之所以能打動人心，並且在音樂世界中脫穎而出，是因為它包含了幾個關鍵元素，這些元素共同合作，創造出一個完整的音樂體驗。今天我們來探討這五個不可或缺的元素，讓你更了解如何創作一首既動聽又具影響力的歌曲。 1. 節奏（Rhythm） 節奏是音樂的基礎，它能讓歌曲流動起來。無論是快節奏的舞曲還是慢節奏的抒情曲，節奏都是用來控制音樂的速度感和律動的核心。它不僅影響聽眾的情緒，還決定了歌曲的整體氛圍和感覺。 2. 旋律（Melody） 旋律是一首歌曲的靈魂，當你哼唱歌曲的時候，實際上就是在重現它的旋律。旋律由不同音高組成，當這些音符按照一定順序排列時，就會形成悅耳的音樂片段。不同的旋律動作（如上升、下降、跳躍等）會產生不同的情感效果，讓歌曲更有吸引力。 3. 和聲（Harmony） 和聲是旋律的有力補充。當多個音符同時響起時，形成了和聲，它可以讓音樂更加豐富和立體。和聲的運用不僅能創造出和諧的音效，也可以通過不協和音來表達張力和情感衝突，這是音樂中一個強有力的表現工具。 4. 歌詞（Lyrics） 歌詞是將音樂語言化的關鍵元素。好的歌詞不僅能描繪故事或情感，還能讓聽眾更容易與歌曲產生共鳴。歌詞可以是具象的，也可以是抽象的，甚至完全不需要，但當它們存在時，它們通常會讓歌曲更具深度和意義。 5. 結構（Song Structure） 歌曲的結構決定了歌曲的編排方式，常見的結構有 AABA 或 Verse-Chorus。結構能讓聽眾在音樂中找到熟悉感，同時也能引導歌曲的發展方向。好的結構安排能夠使歌曲聽起來更為流暢和有條理，避免過於單調。 總結 節奏：控制歌曲的速度和感覺。 旋律：構建出悅耳、記憶深刻的主線。 和聲：豐富旋律，增加歌曲的層次感。 歌詞：用文字傳遞情感或講述故事。 結構：引導歌曲的發展，增加流暢度。 這五個元素相輔相成，能讓你的歌曲充滿生命力，成為聽眾心中的經典。
寫歌的 5 個關鍵真相
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你是否曾經好奇過：「寫歌容易嗎？」對於許多人來說，創作歌曲似乎是一項神秘而困難的任務。然而，真相可能並非如此複雜。今天，我們將揭示寫歌的5個關鍵真相，帶你了解創作的世界，或許你會發現，寫歌其實比你想像中容易得多。 1. 靈感無處不在，只需用心發掘 許多人認為寫歌需要天馬行空的靈感，但事實上，靈感往往來自於我們的日常生活。一次難忘的旅行、一段深刻的對話、甚至是一場細雨，都可能激發你的創作慾望。關鍵在於培養對周遭事物的敏銳觀察力，隨時記錄下你的感受和想法。當你開始用心體驗生活，靈感將源源不絕地湧現。 2. 基本技巧可學習，無需天才才華 寫歌涉及一些基本的技巧，如歌詞撰寫、旋律構思和歌曲結構等。這些都是可以透過學習和練習來掌握的技能。現今有許多資源，如線上課程、書籍和工作坊，能夠幫助你入門。即使你沒有音樂理論背景，也能透過不斷的嘗試和學習，逐漸提升自己的創作能力。 3. 實踐出真知，多寫才能進步 創作歌曲就像鍛鍊肌肉，需要不斷的練習。剛開始時，你的作品可能並不完美，但這是每個創作者都會經歷的階段。重要的是持之以恆，不斷地寫下去。每一次的創作都是一次學習的機會，透過實踐，你將會發現自己的進步和成長。 4. 克服自我懷疑，勇於表達自我 許多人在創作時會面臨自我懷疑，擔心自己的作品不夠好或不被認可。然而，創作最重要的是勇於表達內心的聲音。不要讓恐懼阻礙你的創作之路。記住，每一位偉大的音樂家都曾經是初學者，他們之所以成功，是因為他們堅持了下去。 5. 與他人交流，汲取靈感和反饋 音樂是溝通的藝術，與他人分享你的作品能夠帶來寶貴的反饋。參與音樂社群、加入創作團體或與朋友討論，都能讓你獲得新的靈感和觀點。他人的意見和建議，可以幫助你完善作品，同時也能激發你的創作熱情。 總結重點： 靈感源自生活：用心體驗生活，靈感無處不在。 技巧可以學習：透過學習和練習，掌握創作技能。 實踐帶來進步：不斷寫作，才能提升創作水平。 勇於表達自我：克服自我懷疑，展現內心聲音。 交流獲得成長：與他人分享，汲取反饋和靈感。 寫歌並非遙不可及的夢想，只要你願意投入時間和熱情，任何人都可以踏上創作的旅程。不要讓自我懷疑成為你的絆腳石，現在就拿起筆，開始你的音樂創作之路吧！
4個步驟教你寫出自己的歌曲
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你是否曾經想要創作一首屬於自己的歌曲，卻不知該從何開始？其實，寫歌並沒有你想像中那麼困難。只要掌握一些基本步驟，你也可以成為自己的音樂創作人。以下是4個步驟教你寫出自己的歌曲，讓我們一起踏上這段充滿創意的旅程。 1. 發掘靈感，確立主題 創作的起點始於靈感，而靈感往往來自於我們的日常生活。你可以從個人經歷、情感體驗、觀察到的社會現象，甚至是一句觸動你的話語中找到創作的源泉。當你感到特別有感觸的時候，立即將這些想法記錄下來，無論是用筆記本還是手機備忘錄。確立一個明確的主題，將有助於你在創作過程中保持焦點，讓歌曲更有深度和共鳴。 2. 創作歌詞，傳達情感 有了主題後，開始將你的情感和想法轉化為歌詞。寫歌詞時，最重要的是真誠和自然，無需過度追求華麗的詞藻。你可以先以自由寫作的方式，將腦海中的詞句盡情傾瀉在紙上，不用考慮押韻或結構。完成初稿後，再進行潤飾，注意詞語的選擇和句子的流暢度。適當的押韻和節奏感能夠增加歌詞的音樂性，使其更容易傳唱。 3. 構思旋律，賦予歌曲生命 旋律是歌曲的靈魂，為歌詞注入生命。即使你沒有音樂理論基礎，也可以嘗試哼唱出適合歌詞的旋律，將其錄製下來以免忘記。如果你會樂器，如吉他或鋼琴，更可以嘗試為歌曲配上簡單的和弦。創作旋律時，專注於表達情感和營造氛圍，旋律不必複雜，但需要與歌詞相互契合，讓整首歌聽起來和諧動人。 4. 安排結構，完善作品 一首完整的歌曲通常包含主歌、副歌和橋段等部分。主歌負責敘述故事或描繪情境，副歌則強調主題，是全曲的高潮部分。橋段可以為歌曲增添變化，提升聽眾的興趣。在這個步驟中，你需要將前面的歌詞和旋律按適當的順序組合起來，形成一個有節奏感和層次感的作品。完成後，多次試唱並進行調整，確保歌曲的連貫性和完整性。 總結重點： 發掘靈感，確立主題：從生活中尋找創作源泉，明確想要表達的內容。 創作歌詞，傳達情感：以真誠自然的文字撰寫歌詞，注意詞句的流暢度和押韻。 構思旋律，賦予歌曲生命：創作與歌詞契合的旋律，強調情感的表達。 安排結構，完善作品：組織歌曲的各個部分，確保整體的連貫性和完整度。 寫歌是一段自我探索和表達的旅程，不需要完美的技巧或豐富的經驗。最重要的是勇於嘗試，讓內心的聲音透過音樂傳達出來。現在就拿起筆和紙，或者你的樂器，開始創作屬於你的音樂故事吧！
6個步驟教你如何創作自己的歌曲
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你是否曾經幻想過能夠創作一首屬於自己的歌曲，卻不知道該從何開始？其實，寫歌並非遙不可及的夢想，即使你沒有音樂背景，也能透過一些方法踏出創作的第一步。以下是6個步驟教你如何創作自己的歌曲，讓我們一起揭開音樂創作的神秘面紗。 1. 探索靈感，發現創作源泉 創作歌曲的第一步就是尋找靈感。靈感無處不在，可能來自於你生活中的點滴經歷、一次難忘的旅行、一段深刻的感情，甚至是一則新聞報導。試著觀察周遭的世界，記錄下讓你產生共鳴的事物。你可以隨身攜帶筆記本或使用手機備忘錄，將突如其來的想法和感受記錄下來，這些都可能成為你歌曲的素材。 2. 確立主題，聚焦歌曲內容 有了靈感後，下一步就是確立歌曲的主題。主題是你想要透過歌曲傳達的核心思想或情感。例如，你想表達初戀的甜蜜、追夢的艱辛、友情的珍貴或對社會現象的看法。明確的主題能夠讓你的創作更有方向性，也有助於吸引聽眾的共鳴。 3. 創作歌詞，抒發內心情感 歌詞是歌曲的靈魂，透過文字將你的情感和故事傳達給聽眾。在寫歌詞時，不需要過於華麗的詞藻，真誠和真實才是最重要的。你可以先以自由寫作的方式，將與主題相關的想法和感受盡情寫下，然後再進行修飾和整理。注意押韻和節奏感，這能夠增加歌詞的朗朗上口程度。 4. 構思旋律，賦予歌曲生命 有了歌詞之後，為它配上一段旋律吧！即使你不熟悉音樂理論，也可以試著哼唱出腦海中的音調，錄製下來以免忘記。如果你會彈奏樂器，例如吉他或鋼琴，可以嘗試為歌詞配上簡單的和弦。旋律不需要複雜，簡單動聽即可，重點是能夠傳達出你想要的情感。 5. 設計歌曲結構，完善作品架構 一首完整的歌曲通常包含主歌、副歌、橋段等部分。主歌負責敘述故事或情境，副歌則是歌曲的高潮，強調主題和情感。橋段則用於過渡，增加歌曲的變化性。你可以根據自己的創作，靈活安排這些部分，使歌曲更加豐富和完整。 6. 反覆練習與修改，精益求精 創作完成後，別忘了反覆練習和修改。大聲唱出你的歌曲，感受整體的流暢度和情感傳達是否到位。詢問朋友或家人的意見，接受他們的反饋，進行必要的調整。創作是個不斷完善的過程，不要害怕修改，耐心打磨才能創作出更好的作品。 總結重點： 探索靈感：隨時記錄生活中的點滴，發掘創作素材 確立主題：明確想要傳達的核心思想或情感 創作歌詞：以真誠的文字抒發內心，注意押韻和節奏 構思旋律：為歌詞配上簡單動聽的旋律 設計結構：安排主歌、副歌、橋段等部分，完善歌曲架構 反覆練習：不斷修改和完善作品，提升歌曲品質 創作自己的歌曲是一段充滿挑戰但又令人興奮的旅程。不要因為缺乏經驗而退縮，最重要的是勇於嘗試，將內心的聲音透過音樂傳達出來。現在，就拿起筆和紙，或是你的樂器，開始你的音樂創作之旅吧！
5 個無經驗也能寫出歌曲歌詞的步驟
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你是不是曾經想過要寫一首屬於自己的歌曲，但因為沒有經驗而不知從何開始？其實，寫歌詞並不需要專業的背景，只要有心，每個人都可以成為詞曲創作人。以下是5個無經驗也能寫出歌曲歌詞的步驟，帶你踏上音樂創作之路。 1. 捕捉靈感，記錄生活點滴 靈感來自生活中的每個瞬間。當你感到開心、難過、興奮或沮喪時，這些情緒都是創作的源泉。隨身攜帶筆記本或使用手機備忘錄，隨時記下你的想法和感受。這些零碎的記錄日後都可能成為動人的歌詞。 2. 選擇主題，明確表達方向 確定一個你想要表達的主題，例如愛情、友情、成長或夢想。有了明確的主題，能夠讓你的歌詞更集中，內容更具深度，也更容易引起共鳴。 3. 自由寫作，讓文字自然流露 在這個階段，不用拘泥於押韻或結構，讓自己自由地寫下對於主題的所有想法。這種自由寫作能夠挖掘出你內心最真實的感受，為後續的歌詞創作打下基礎。 4. 構思結構，安排歌詞段落 一般歌曲包含主歌、副歌和橋段。主歌通常講述故事或情境，副歌則是歌曲的高潮部分，帶出主要情感。根據你的寫作內容，將文字分配到不同的段落，形成完整的歌曲結構。 5. 修飾潤色，增添音樂性 在基本框架完成後，開始關注歌詞的押韻、節奏和韻律。適當的押韻能讓歌詞更易於傳唱，節奏感則使歌曲更具音樂性。你可以朗讀歌詞，感受文字的流暢度，進行必要的修改。 總結重點： 捕捉生活靈感，隨時記錄情緒和想法 選定主題，讓歌詞有明確的表達方向 自由寫作，挖掘內心真實感受 構思結構，安排主歌、副歌和橋段 修飾潤色，注意押韻和節奏增強音樂性 寫歌詞是一種自我表達的方式，不需要完美的技巧或豐富的經驗。最重要的是勇於開始，讓內心的聲音透過文字傳達出來。現在就拿起筆，開始你的音樂創作之旅吧！
6 個初學者開始寫歌的關鍵步驟
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你是不是也曾經想過創作屬於自己的歌曲，卻不知道從何開始？對於初學者來說，寫歌看似困難，但其實只要掌握一些步驟，你也可以踏上音樂創作的旅程。以下是6個初學者開始寫歌的關鍵步驟，讓我們一起來看看吧！ 1. 找尋靈感，捕捉瞬間想法 靈感無處不在，可能是生活中的一段故事、一種情緒，甚至是一句話。隨身攜帶筆記本或使用手機備忘錄，隨時記錄你的想法。當靈感來臨時，別讓它溜走！ 2. 選定主題，明確方向 有了靈感後，選擇一個你想要表達的主題。這可以是愛情、友情、自我成長或任何你關心的事情。明確的主題能夠讓你的歌曲更有深度和共鳴。 3. 創作旋律，哼唱心中的音符 不要擔心自己沒有音樂理論基礎，試著哼唱出你腦海中的旋律。你可以使用吉他、鋼琴或任何樂器來輔助。如果沒有樂器，也可以直接錄下你的哼唱。 4. 撰寫歌詞，抒發真實情感 根據你的主題，開始撰寫歌詞。語言可以簡單但要真誠，讓聽眾感受到你的情感。使用比喻、意象等修辭手法，增加歌詞的豐富性。 5. 安排結構，組織歌曲框架 一首完整的歌曲通常包含主歌、副歌、橋段等部分。規劃好歌曲的結構，能夠讓音樂更有節奏感和層次感。試著將你的旋律和歌詞套入這些部分。 6. 反覆練習，細節修正 完成初稿後，多次演唱你的歌曲。注意聽是否有需要改進的地方，例如旋律的流暢度、歌詞的押韻等。不要害怕修改，精雕細琢才能創作出動人的作品。 總結重點： 隨時記錄靈感，抓住每個想法 明確歌曲主題，設定創作方向 自由哼唱旋律，找到屬於你的音符 真誠撰寫歌詞，表達內心情感 規劃歌曲結構，完善音樂框架 反覆練習修改，提升作品品質 創作歌曲是一段自我探索的旅程，不僅能夠抒發情感，還能帶給他人感動。不要被初學的障礙嚇倒，只要勇敢踏出第一步，你就是自己的音樂家！
最佳提升創造力的運動：激發靈感與創作歌詞的新方法
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運動對創造力的激發有顯著幫助，尤其是對於需要靈感來創作歌詞的音樂人來說。不同類型的運動能促進大腦活性，讓思維變得更加靈活，進而幫助產生全新的想法。以下是一些能夠提高創造力的運動與活動建議： 1. 步行或慢跑：簡單的步行或慢跑能有效提升大腦的血液循環，並促進神經元的連接。這種活動不僅有助於增強注意力，還能提升解決問題的能力和靈活的思維模式，讓你能夠更快地想出新穎的歌詞點子。 2. 瑜伽和冥想：這類低強度的運動有助於放鬆心靈，減少壓力，進而釋放大腦潛在的創造力。每日進行幾分鐘的冥想，專注於呼吸與靜思，能幫助你從不同的角度思考問題，激發靈感。 3. 重量訓練：重量訓練不僅對身體有益，也能提高大腦的思維能力。這類運動需要專注和決策，這對激發創造性思維同樣有幫助。此外，通過這樣的挑戰，你可以突破自我，進而激發新的想法。 4. 舞蹈：舞蹈不僅是一種全身運動，還能提升你的心情，釋放快樂激素。當心情愉悅時，人的思維會變得更加開放，這對於創作歌詞尤其重要。跳舞讓你放鬆身心，從而提升創造力。 5. 遊戲和拼圖：如果你不喜歡傳統的運動方式，創意遊戲和拼圖也是提升創造力的好方法。它們能訓練大腦的不同區域，幫助你在面對創作難題時更快速地找到解決方案。 總結來說，無論是哪種類型的運動，讓身體動起來都能為大腦提供更多的創造性刺激。試著將這些活動融入日常生活中，你會發現，靈感源源不斷，為你的歌詞創作帶來無窮的可能性。
每個人經歷不同的人生：寫出屬於自己的歌詞的5個關鍵點
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在人生這條道路上，每個人都有自己獨特的經歷和學到的教訓。無論年紀多大或多小，我們所寫出的歌詞總是反映出我們的視角和內心感受。這篇文章將探討為什麼每個人都能以不同的視角來創作出屬於自己的獨特歌詞，並提供一些實用的建議。1. 經歷塑造視角每個人在人生中都會面臨不同的挑戰和成功，而這些經歷深深影響我們的世界觀與表達方式。比如說，有些人可能會因失敗而氣餒，但對另一個人來說，失敗是通往成功的階梯。這種不同的看法在歌詞創作中非常重要，因為每首歌都可以是經歷和學到的教訓的反映。2. 感情和情緒是創作的核心歌詞創作的靈感通常來自於情感經歷，無論是愛、悲傷、憤怒或孤獨。每個人都有自己的情感故事，這使得他們的歌詞充滿個性和真實性。這就是為什麼即使是年紀相近的人，他們的創作內容也會截然不同，因為他們所感受到的情感經歷是無法完全相同的。3. 文化和背景的影響人們的文化背景會影響他們看待世界和表達情感的方式。一些文化可能更加注重家庭和社會責任，而另一些文化則更鼓勵個人表達和自由。在創作歌詞時，這些文化上的差異會形成截然不同的表現方式。這使得來自不同文化的人能夠寫出反映自己背景的歌詞，從而創造出多樣的音樂作品。4. 自我反思的力量許多優秀的創作者會通過自我反思來找尋靈感。當你能夠深入了解自己的感受、想法和經歷時，創作出來的歌詞會更加真誠且有深度。自我反思不僅能讓你認識自己，也能幫助你將那些細膩的感受轉化為動人的歌詞。5. 透過對話拓展視角與來自不同背景的人交流，能夠拓寬你的視野，讓你理解不同的生活經歷和情感表達方式。這些對話不僅能激發靈感，還能讓你更深入地思考自己的人生經歷，從而寫出更加多樣化的歌詞。總結每個人的經歷都獨一無二，塑造了他們的創作視角。歌詞的創作靈感來自於深刻的情感經歷。文化背景會影響表達方式，帶來不同風格的作品。自我反思可以深化歌詞的真誠與內涵。與他人交流能夠拓展視角，幫助創作更豐富的內容。無論你是經歷了多少，無論你多大年紀，只要你有感而發，都能寫出屬於你自己的動人歌詞。
詞先還是曲先？三大創作方式剖析
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創作音樂時，常見的問題之一便是：「應該先寫歌詞還是先寫音樂？」就像雞生蛋還是蛋生雞，這個問題沒有絕對的答案，因為每位創作者的風格、音樂類型及創作過程都會有所不同。根據多篇相關文章的綜合分析，我們可以將創作過程分為三大類：詞先法、曲先法以及混合創作法。接下來，我們會深入探討這三種方法的優缺點，幫助你找到最適合的創作流程。1. 詞先法：情感為先，曲子隨後詞先法，即先創作歌詞，再根據歌詞搭配旋律或和弦。這種方法特別適合那些以敘事和情感表達為核心的音樂類型，如民謠、鄉村音樂、饒舌和部分流行音樂。當你希望用文字講述故事或傳遞情感時，詞先法能幫助你更加深入地思考每個字詞的意義，進而選擇適合的旋律來支持你的敘事。優點：歌詞能夠更好地傳遞情感，使歌曲更具敘事性和說服力。有助於歌詞的主題和情感影響旋律，使歌曲的每個部分更和諧。挑戰：對於那些不太擅長寫詞的創作者來說，創作出既能感動人心，又能匹配旋律的歌詞可能會比較困難。在完成詞後，找到能完全契合詞的旋律可能會限制音樂創作的自由度，導致整體音樂性下降。2. 曲先法：旋律主導，歌詞次之另一種常見的方式是先作曲，讓旋律或和弦進行來帶動整個歌曲的情緒氛圍。這種方式特別適合喜歡實驗音樂或注重旋律的創作者，像是流行、電子音樂等。你可以先自由創作旋律，然後再根據旋律填詞。這種方法能讓音樂聽起來更加流暢，旋律也更具吸引力。優點：有助於創造更具吸引力和可記憶的旋律，特別是在副歌部分。能夠讓音樂自由發展，不會受限於預先設定的歌詞結構。挑戰：在曲先的情況下，填詞有時候會變得困難，因為需要讓歌詞與既有旋律契合。如果旋律太過於複雜，填詞的過程可能會導致創作者放棄一些原本有趣的詞句。3. 混合創作法：雙線進行，詞曲相互影響混合創作法則是將詞曲創作同步進行，創作者可以邊寫詞邊作曲，這樣詞與曲相互影響，並且可以根據彼此的變化進行調整。這是一種較靈活的方式，適合那些詞曲能力兼備的創作者，或是有合作夥伴的情況。混合創作法使得創作過程更加流暢，能夠自由修改歌詞和旋律，以達到最理想的效果。優點：詞與曲可以相互激發靈感，讓創作過程更具彈性。允許詞曲同步調整，使最終的作品更加完整。挑戰：需要詞曲兼備的能力，創作過程可能會讓創作者感到壓力。若與其他創作者合作，可能會出現意見不一致的情況。結語：創作沒有對錯，找到適合你的方式總結來說，無論是詞先還是曲先，都沒有絕對的對與錯。每首歌的創作過程都是獨特的，取決於創作者的靈感、風格和當下的心情。嘗試不同的方式，找到最適合自己的創作流程，才是創作的關鍵。創作的過程中，不要害怕調整和變化，因為最好的作品往往是經過不斷迭代和修改後產生的。核心重點：詞先法更適合以敘事和情感為核心的歌曲。曲先法能幫助創造出更具吸引力的旋律。混合創作法允許詞曲同步發展，提供更大的創作彈性。每個創作過程都有其挑戰和優勢，找到適合自己的方式最為重要。無論你選擇哪種方式，都建議你勇於嘗試不同的創作流程，探索不同的靈感來源。記住，創作音樂最重要的，是讓自己享受這個過程，無論你是詞先還是曲先。
5 個理由：為什麼 AI 生成的歌詞不如人類創作的歌詞
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隨著人工智慧（AI）的進步，越來越多的音樂人嘗試使用 AI 來生成歌詞。然而，儘管 AI 可以快速產生具結構性、符合特定風格的歌詞，許多音樂愛好者和創作家認為，AI 生成的歌詞無法取代人類的創作。以下是 AI 生成的歌詞與人類創作歌詞之間的主要差異： 1. 缺乏真實的情感連結 人類創作的歌詞來自於創作者個人的經歷和感受，這使得聽眾能與歌詞產生情感上的共鳴。像泰勒絲這樣的創作歌手，她的歌詞經常反映出她的內心掙扎、愛情故事或成長經歷，這讓她的粉絲感受到被理解和認同。相比之下，AI 無法體驗人類的情感，因此生成的歌詞往往缺乏真實的感情。 2. 缺乏獨特性和創意 AI 的歌詞創作基於大量現有的數據，通過模式匹配來生成文字。這意味著 AI 更容易產生相似、重複性高的內容，而非新穎獨特的表達。人類則擁有創意的能力，能將個人經驗轉化為具有深度和獨特視角的歌詞，這是 AI 難以模仿的。 3. 缺乏文化和語境的理解 歌詞不僅僅是文字的組合，它還涉及特定的文化背景和語境。人類創作者能夠理解這些微妙的文化差異，並在歌詞中反映出特定的歷史或社會背景。而 AI 雖然能模仿詞語，但往往無法正確把握文化細節和人際間的深層次情感。 4. 故事性較弱 許多經典歌詞之所以感人，是因為它們講述了一個完整且深刻的故事。人類創作者能夠在短短幾句歌詞中展現一個動人的故事情節，並通過隱喻、象徵等文學手法來深化故事的情感層次。AI 雖能生成類似的句子，但通常缺乏連貫的故事脈絡和強烈的情感推動。 5....
10 個莎士比亞的詩歌技巧，幫助你寫出更好的歌詞
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莎士比亞被譽為歷史上最偉大的劇作家與詩人之一。他的詩歌技巧不僅深刻影響了英語文學，還能啟發現代音樂創作，甚至包括中文歌詞的寫作。以下是十個莎士比亞常用的詩歌技巧，這些方法不僅能提升你歌詞的質感，還能幫助你在創作中注入更多藝術性。 1. 使用五音步抑揚格 莎士比亞最著名的技法之一是五音步抑揚格，這是一種有規律的音節結構，每句包含十個音節，並且強弱相間，像心跳一樣有節奏感。這樣的結構賦予了語言一種自然的流動感，讓詩歌讀起來更有韻律，也更容易記憶。 如何運用： 在寫歌詞時，可以嘗試在某些段落使用規律的音節結構，特別是副歌部分，這樣能強化旋律的流暢性。 2. 比喻與隱喻 莎士比亞的作品中充滿了生動的比喻與隱喻。例如在《羅密歐與茱麗葉》中，他將茱麗葉比喻為太陽，這不僅讓讀者立刻感受到茱麗葉的光芒四射，也傳遞出羅密歐對她的迷戀與崇拜。 如何運用： 在歌詞中，運用隱喻和比喻來表達抽象的情感或思想，讓聽眾更容易產生共鳴。例如，可以用“火焰”來象徵激情，用“海洋”來象徵自由。 3. 雙關語 莎士比亞善於使用雙關語來增加詩歌的層次感。他常用一個詞語的多重含義來表達深層次的情感或幽默，這使得他的詩句充滿了智慧與趣味。 如何運用： 雙關語可以讓歌詞更有趣味性和多義性。試著在歌詞中使用能夠解釋不同意義的詞語，這樣能夠給聽眾帶來更多的解讀空間。 4. 獨白與內心獨白 莎士比亞的獨白通常用來展現角色的內心掙扎與情感衝突。這種技巧讓觀眾能夠深入了解角色的心情，並與角色產生情感聯繫。 如何運用： 你可以在歌詞中加入內心獨白的元素，讓主角直接與聽眾對話，展現他們內心的矛盾與掙扎，這能夠讓歌曲更具感染力。 5. 對比手法 莎士比亞經常運用對比來強調情感的張力，通過對立的畫面或角色來表達矛盾與衝突。例如，他在悲劇與喜劇之間的轉換，讓觀眾時而笑，時而流淚。 如何運用： 在歌詞中，可以運用對比來表現情感的變化，像是使用“光明與黑暗”來表達人生的起伏，或是通過反差來增強故事的衝擊力。 6. 角色的多面性 莎士比亞的角色總是充滿了複雜的情感和多面性，這讓他們即使犯錯，也依然能獲得觀眾的同情。這種角色塑造讓他的故事更加真實，因為人們本身就充滿矛盾與不完美。 如何運用：...
10 個古代詩人寫好詩的技巧，幫助你寫出好歌詞
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古代詩人的寫作技巧充滿智慧，這些技巧可以幫助你在創作歌詞時增添深度與藝術性。以下是十個常用的古詩寫作技巧，它們不僅適用於詩詞，也可以幫助你在現代音樂創作中提升表達能力。 1. 比喻手法 比喻是古詩詞中常見的修辭手法，用具象的事物來比喻抽象的情感。王維在《使至塞上》中，用“征蓬”比喻自己被放逐的命運，凸顯了孤獨與無奈。這樣的比喻讓情感更加鮮明、生動。 如何運用： 可以將情感和具象物品聯繫起來，例如用大海比喻自由，用月亮比喻思念，這能讓歌詞更加具象化和感人。 2. 擬人手法 擬人手法賦予無生命的事物以人的特徵，使其更加生動。例如杜甫的《春夜喜雨》將雨擬人化，描繪出雨水默默滋潤大地的美好場景。 如何運用： 你可以在歌詞中將自然現象或物體擬人化，例如讓風訴說秘密，讓花朵傾聽心聲，這樣的表現方式能增加歌詞的詩意。 3. 借景抒情 詩人常用自然景物來表達內心情感，這種手法叫做“借景抒情”。蘇軾的《江上看山》以江河和山脈為背景，表達內心的廣闊與孤寂。 如何運用： 在歌詞中運用大自然的景象，如日出、星空、海浪等來隱喻情感變化，這種隱晦的表達方式能增加歌詞的深度。 4. 對比手法 對比是強化情感的重要手法。古詩詞中常用對比來突出主題，像王維的《山居秋暝》用山林的靜謐對比塵世的喧囂，突顯隱居的美好。 如何運用： 你可以在歌詞中運用對比來呈現情感的轉折或對立，例如用溫暖與寒冷、光明與黑暗來表達內心的矛盾。 5. 象徵手法 古詩詞中常用象徵手法來賦予具體事物以更深層次的意義。李白常用月亮象徵思鄉之情，杜甫用“孤煙直”象徵邊塞的荒涼與孤寂。 如何運用： 在歌詞中可以運用象徵手法，例如用花朵象徵希望，用道路象徵人生旅程，這能使歌詞更有詩意與層次。 6. 疊字與音韻 古詩詞講求音韻和諧，疊字常被用來增強韻律感。例如，李清照的詞《如夢令》中的“綠肥紅瘦”就利用疊字來增強音韻的美感。 如何運用：...
10 創作歌詞的主題：除了愛情之外
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音樂創作常以愛情為題材，然而世界上還有很多其他的情感、經歷、想法以及故事值得我們去探索，這些內容可以讓你的歌曲更具多樣性，也讓聽眾能夠在不同的層面上產生共鳴。以下我們將深入探討十個創作歌詞時可以考慮的主題，除了愛情之外，這些主題同樣可以打動人心。 1. 友情與團結 友情是一個極具力量的主題，無論是彼此之間的支持，還是一起經歷人生中的起伏，友情的表達能夠觸動人心。許多歌曲中已經開始強調友情這一重要情感，例如《Best Friend》這樣的歌曲傳遞出深刻的友誼之愛，讓我們看到即便沒有浪漫元素，感情依然可以真摯而深刻。這類歌詞可以描述朋友之間的陪伴、相互扶持的力量、在困難時期彼此給予的安慰等。 如果想要寫這樣的歌詞，試著回憶你和朋友們一起度過的歡樂時光，或是他們如何在艱難的時候支持你，這些經驗都可以成為歌詞中重要的素材。 2. 勇氣與挑戰 生活中的每一個人都會面臨挑戰，克服這些挑戰需要勇氣。勇氣與挑戰是永恆的主題，無論是在工作、學業還是個人生活中，每個人都會遇到困難和挫折。這種主題特別適合激勵類的歌曲，通過描寫如何克服恐懼、戰勝內心的懷疑來鼓舞聽眾。 歌詞可以描述一個人在面對未知時如何鼓起勇氣，或是戰勝自身的恐懼並迎接未來。這樣的歌曲可以賦予聽眾力量，讓他們相信自己能夠面對任何挑戰。 3. 希望與樂觀 即便在最困難的時候，保持希望和樂觀的態度是許多人面對生活困境的重要方式。這類歌曲往往以正面的能量為核心，鼓勵聽眾堅持下去，並相信未來會變得更好。這樣的歌詞能讓人們感到被安慰，並提醒他們生活中總有希望存在。 你可以寫下自己在低潮時如何找到希望，或是描述生活中的小確幸，這些內容都能讓你的歌曲充滿溫暖與積極的能量。 4. 成功與成就 成功並不總是與財富相關，它可以是克服挑戰、實現夢想或完成某個長期目標的感覺。成功的主題在許多流行歌曲中已經出現，它不僅能激勵人們追求自己的夢想，還能讓聽眾反思他們自己的旅程。 創作這樣的歌詞時，可以描述從困難中走出並達成目標的過程，或是強調實現夢想後的成就感與自豪感。這樣的歌詞能激勵聽眾，也可以作為勉勵他們不放棄追求自己夢想的動力。 5. 家與懷舊 家是我們大部分人內心深處的避風港，無論你走得多遠，家永遠是我們歸來的地方。而懷舊則可以喚起聽眾的共鳴，讓他們回憶起兒時的美好時光或是過去的美好回憶。 歌詞可以描寫家帶來的溫暖、家人之間的情感聯繫，或是對過去那些無憂無慮日子的懷念。這樣的歌詞能引發聽眾內心深處的情感，讓他們回憶起自己的家庭和童年。 6. 青春與成長 青春期充滿了變化與探索，這個過程中伴隨著成長的痛苦、迷茫與突破。許多音樂作品都以青春期的掙扎為主題，這是一個每個人都能與之共鳴的時期。 歌詞可以探討青春期的內心困惑與挑戰，或是描寫成長中的甜酸苦辣。這樣的歌曲能讓年輕的聽眾感到自己被理解，也能讓年長的聽眾回憶起他們曾經的青春。 7. 夢想與抱負 夢想是許多人生活中的一部分，無論是職業上的抱負，還是個人生活中的目標，夢想是驅使我們前進的重要動力。寫作這樣的歌詞時，你可以描寫對未來的期望、追求夢想的過程以及實現夢想的難題。 這類歌詞可以激勵人們去追求自己心中的目標，並提醒他們儘管道路艱難，但夢想是值得去追求的。...
5 個理由為何你應該學唱歌和製作音樂，而不只是寫詞
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在現代音樂世界，光會寫詞已經不夠了。能夠掌握唱歌和音樂製作的技能，將讓你在這個競爭激烈的產業中更具優勢。這裡有五個你應該學習這些技能的理由，讓你成為更全面的音樂創作人。 1. 增強市場競爭力 現代音樂強調整體的創作，不僅是詞曲，還包括編曲和演唱。能夠全方位掌控音樂的每個層面，會讓你更容易在市場上被聽見和認可。想學更多，請到 Link 音樂學校 YouTube 頻道 找到相關教學影片！ 2. 創造獨特的音樂風格 掌握唱歌和製作技術能讓你創造出更加具有個人特色的音樂作品，因為你能將自己的創作理念貫穿到每個細節中，從詞曲到編曲，從旋律到聲音設計。 3. 擴大創作視野 唱歌能讓你深入了解旋律的魅力，製作音樂則能讓你玩轉各種音效與編曲。這些技能不僅能豐富你的創作，還能讓你在音樂風格上更加多樣化。 4. 提升音樂表現力 自己會唱歌的創作者，能更精準地傳達情感，無需依賴他人詮釋作品。這將使你的音樂更具真實性與感染力，讓聽眾感受到作品的靈魂。 5. 完整實現你的音樂作品 很多創作者會因為缺乏製作能力，無法將一首歌徹底完成。透過學習製作音樂，你將更容易將靈感轉化為完整的作品。現在就去 Link 音樂學校，學習更多音樂製作的技巧吧！ 核心重點 提升唱歌和製作能力可強化你在音樂市場中的競爭力。 擁有多方面技能能讓你創造出更具個性化的作品。 更好地理解旋律和編曲能擴展你的創作視野。 自行掌握演繹技巧讓作品更動人。 完整的製作能力讓你的音樂作品更具品質。
寫出讓人眼前一亮的歌詞：來自兩本最新書籍的10個練習與範例
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詞曲創作的過程可能充滿挑戰，無論你是剛起步還是已經創作多年，擁有有效的技巧都能幫助你提升作品質量。這篇文章整理了來自 Pat Pattison 的 《Songwriting Without Boundaries》 和 Jason Blume 的 《Six Steps to Songwriting Success》 的具體方法，幫助你在寫歌的過程中克服障礙、提升技巧，寫出打動人心的歌詞。 1. 運用「自由寫作」激發靈感 Pat Pattison 的《Songwriting Without Boundaries》強調自由寫作的重要性，這是一種解鎖創意的有效工具。自由寫作的核心是讓你在短時間內不加任何限制地寫下所有想到的內容，不考慮邏輯或押韻。這種無約束的寫作方法能幫助打破思維瓶頸，激發新的創作靈感。 實例：一位學生從「雨」這個普通詞語開始自由寫作，最終演變出一首關於回憶和離別的歌曲《Raindrops on My Heart》，靈感來自最初對「雨」的描述。自由寫作能幫助創作者發現隱藏在內心深處的情感和故事。 練習： 每天進行...
解讀《Writing Better Lyrics》- 10 個關鍵技巧
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寫歌詞可以是一個神奇的過程，當你成功將情感、故事和旋律結合在一起時，歌詞不僅僅是字句，而是一場心靈的旅程。Pat Pattison 寫的《Writing Better Lyrics》，提供了豐富的創作技巧和策略，幫助每位詞曲創作者寫出更有深度、觸動人心的歌詞。這篇文章將深入剖析這些技巧，帶你進一步理解如何寫出讓聽眾為之著迷的歌詞。 1. 培養靈感來源的敏感度 每個優秀的詞曲創作者都有自己的靈感來源，而 Pat Pattison 認為，靈感其實無處不在，關鍵是如何訓練自己去「看見」這些靈感。他建議，隨時隨地攜帶筆記本，記錄下任何讓你感到好奇、激動或觸動的事物。這可以是你早晨咖啡店的對話、街頭看到的一抹顏色，甚至是突然出現的某個思緒碎片。這種不斷累積的靈感庫存，將成為日後創作時的寶貴資源。 實踐技巧： 每天花 10 分鐘自由書寫，無論內容如何，讓思想流動。 觀察周遭細節，將一個普通的場景用具象化語言來描述。 隨時攜帶一個靈感捕捉工具（筆記本、App 等），記錄每一個值得注意的想法。 2. 用具象化的語言構建畫面感 Pat 強調，最具影響力的歌詞是那些能讓聽眾在腦海中「看見」的作品。要做到這一點，創作者應該儘量避免模糊的情感描述，改用具象化的詞彙。舉例來說，與其說「我很難過」，不如說「我的眼淚在深夜的枕頭上流成了河」，這種具體的畫面能更好地讓聽眾進入你的情感世界。 實踐技巧： 問自己：「我可以用什麼具象的畫面來表達這種情感？」 在每個歌詞段落中嘗試加入至少一個具象化的意象。 觀察日常生活中的細節，並用具象的詞彙去描述。 3. 運用「對比」增強歌詞張力 對比是創作中一個強大的工具，它可以讓你的歌詞充滿張力和深度。Pat 建議，在寫作時可以透過對立的情感、畫面或情境來創造一種矛盾的感覺。這種對比不僅能增強歌詞的吸引力，還能讓聽眾感受到情感的起伏。例如，你可以描述幸福與悲傷的交織，或是光明與黑暗的對比。...
歷史寫歌詞的方法：從石器時代到現代
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人類在音樂與詩歌創作上的表現，隨著時間和技術進步，不斷演變出不同的寫歌詞方式。從石器時代的符號到現代的數位化創作，讓我們來看看這段歷史中的五個關鍵發展階段。 1. 石器時代：象徵符號的使用 在遠古時期，人類透過符號和圖像來表達想法和情感。賈湖符號（約公元前6600年）和古代的迪斯皮里奧石板是早期表達系統的例子。這些符號常用來記錄宗教儀式和傳統，雖然沒有具體的文字，但這些圖像已經是早期表達創作的一種方式。 2. 青銅時代：楔形文字與象形文字 隨著文明的進步，書寫技術在青銅時代出現了巨大的飛躍。蘇美爾的楔形文字和古埃及的象形文字，成為第一批正式的書寫系統，用來記錄宗教詩歌和史詩。這些文字讓歌詞內容能夠被永久保存，為後代提供了寶貴的文化資料。 3. 中古世紀：羊皮紙與手抄本 在中古世紀，羊皮紙和羽毛筆成為主要的書寫工具，歌詞通常是以宗教詩歌和教會音樂的形式存在。許多詩歌創作都是由僧侶用手抄本記錄下來，當時的文學和音樂主要服務於宗教儀式和貴族娛樂。 4. 文藝復興時期：印刷技術的革命 文藝復興時期的印刷技術大幅改變了書寫歌詞的方式。古騰堡印刷術的發明，使得詩歌和音樂作品可以大量生產並廣泛流傳，從而促進了創作的多樣性和普及性。這時期的詩歌和音樂不再侷限於教會，逐漸普及到一般大眾。 5. 現代：數位化的創作 進入現代，數位工具已徹底改變了寫歌詞的方式。現在，人們主要使用電腦、智慧型手機和音樂製作軟體來創作、修改和發布歌詞。數位平台讓創作者可以更快速地將自己的作品分享給全球的聽眾，歌詞的創作過程變得更加靈活、多樣化。 總結： 石器時代，人們用符號和圖像表達情感。 青銅時代，文字系統如楔形文字和象形文字開始出現。 中古世紀，歌詞主要透過手抄本紀錄，為宗教和貴族服務。 文藝復興時期，印刷技術革命使詩歌作品得以大規模生產與流通。 現代，數位工具讓創作與分享歌詞變得更加方便和全球化。
3 種方法寫歌詞：用筆、電腦還是手機？
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寫歌詞是許多音樂創作者必經的步驟，而如何記錄下這些靈感則因人而異。現代人通常有三種方式：用筆、電腦，或是手機。每種方法都有其優缺點，今天我們來探討這三種寫歌詞的方式，幫助你找到最適合自己的工具。 1. 用筆：更深入的創意流程 使用紙筆寫作時，大腦會啟動不同區域的活化，包括閱讀寫作區和記憶區，這不僅能提升你的創意思考，也有助於組織複雜的想法。許多作家如J.K.羅琳和史蒂芬·金也偏好手寫，認為這讓他們更深入地進入創作的狀態。 優點： 提升創意思維，幫助記憶和內容組織。 手寫的緩慢節奏促使更深思熟慮的創作。 缺點： 手寫速度較慢，難以即時修改或儲存。 需要額外花費時間將內容數位化。 2. 用電腦：高效快速的編輯與儲存 使用電腦寫作有著快速、便於修改與儲存的優勢，特別適合需要頻繁修改或大量文字的創作者。電腦還能自動存檔，減少了遺失資料的風險。 優點： 打字速度快，適合大範圍的修改與編輯。 自動保存功能，避免資料遺失。 缺點： 容易分心，如社交媒體或其他應用程序。 缺乏手寫的創意流動感。 3. 用手機：方便隨時隨地創作 手機讓創作者隨時隨地都能記錄靈感，是最便利的工具之一。然而，手機的鍵盤較小，對於長時間寫作可能不如電腦舒適。 優點： 極其便利，靈感來時隨時可以記錄。 支援多樣化應用程式，幫助搜尋韻腳和詞彙。 缺點： 長時間寫作會造成眼睛疲勞，鍵盤不如電腦舒適。 分心的風險更大，特別是在使用其他應用程式時。 總結 每種工具都有其適用的場景，關鍵是選擇最適合自己寫作習慣的方式。...
寫歌詞應該押韻嗎？ 5 個你需要知道的重要觀點
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寫歌詞時，押韻是許多創作者的首要考量之一。但究竟寫歌詞是否必須押韻？以下是五個重要觀點，幫助你在創作時做出更佳決策。 1. 押韻能增強記憶性 押韻在音樂中的作用不僅是讓歌曲聽起來更悅耳，也能幫助聽眾更容易記住歌詞。這是因為押韻創造了一種節奏感，讓詞句更具連續性與連貫性，從而更容易在腦海中留下深刻印象。 2. 押韻會限制用詞選擇 當你決定要押韻時，實際上縮小了你能選擇的詞彙範圍。這種限制可能會影響歌詞的自然流暢度，甚至讓部分歌詞顯得刻意或牽強。因此，創作者需要在押韻與流暢度之間取得平衡。 3. 部分押韻也可以 並非所有的歌詞都需要每一句都押韻。你可以選擇在一些句子結尾押韻，而其他句子則保持自由。這種部分押韻的策略不僅可以減少創作壓力，還能讓歌詞聽起來更自然和獨特。 4. 押韻不應犧牲其他重要元素 雖然押韻很重要，但它不應該損害歌詞中的其他重要元素，如情感表達、意象創造和故事性。這些元素往往比押韻更能打動人心，因此在創作時需要優先考量。 5. 知道何時打破規則 有時，打破押韻規則反而可以讓你的歌詞更具衝擊力。如果你發現某些歌詞不押韻更能表達情感或加強歌曲的主題，那麼大膽嘗試無押韻的歌詞可能會帶來意想不到的效果。 總結 押韻能幫助增強歌詞的記憶性。 押韻會限制用詞範圍，影響自然流暢度。 部分押韻能兼顧自由與節奏感。 押韻不應犧牲情感表達、意象創造等其他重要元素。 知道何時打破押韻規則，讓歌詞更具衝擊力。
2025 我還要學音樂嗎？五個你該繼續學音樂的理由
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隨著2025年的到來，你可能會問自己：「我還要繼續學音樂嗎？」這個問題在快速變遷的時代中顯得格外重要。音樂學習不僅僅是一種興趣，它對個人的智力、情感和社交能力都有深遠的影響。以下是五個理由，告訴你為什麼你應該在2025年繼續學習音樂。 1. 增強大腦的學習能力與記憶力 音樂訓練對於大腦的影響是多方面的。研究顯示，學習音樂可以提升大腦的神經可塑性，這意味著不論年齡大小，大腦都能不斷學習和適應新的挑戰。對於那些想保持大腦活力、延緩年齡帶來的記憶衰退的人來說，音樂訓練是一個極佳的選擇。 2. 培養情感表達與理解 隨著年齡的增長，我們的情感理解能力變得更加深刻。這使得我們在學習音樂時，能更好地詮釋和表達音樂中的情感，從而使音樂演奏更加真實動人。音樂能幫助我們與他人建立深層的情感連結，這對個人的心理健康和社交能力有極大的幫助。 3. 促進社交與情感交流 參與音樂活動，特別是團體音樂活動，不僅能提升個人的演奏技巧，還能促進社交能力的發展。研究指出，參加音樂團體演奏的人，更容易與他人建立社交聯繫，並且這種社交活動對於老年人的健康和生活滿意度都有顯著的正面影響。 4. 提供學習的自由與樂趣 成人學習音樂的一大優勢在於我們可以完全掌控學習的節奏和方式。無論是選擇學習何種樂器，還是決定學習的時間和頻率，這種自由能讓我們更有動力持續學習，並從中獲得樂趣。與其將學習音樂當作一項艱巨的任務，不如享受學習過程中的每一個挑戰和成就。 5. 保持積極的生活方式與自我實現 學習音樂可以幫助我們維持積極的生活態度，提升自我實現感。無論是透過音樂表達自我，還是與家人朋友分享你的音樂成果，這都能增強你的自信心，並讓你感受到生活的充實與滿足。 總結 音樂訓練能增強大腦的學習能力，延緩記憶衰退。 情感理解力隨著年齡增長，能讓音樂表達更加豐富。 音樂活動促進社交與情感交流，對心理健康有益。 成人學習音樂的自由度更高，可以更有動力持續學習。 學習音樂提升自信，促進積極的生活態度。 這些理由說明了無論你是新手還是已經有多年音樂經驗，2025年繼續學習音樂都是值得的。音樂不僅是藝術，更是讓你全方位成長的途徑。
4 個步驟讀解歌詞，深入體驗音樂靈魂
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音樂是表達情感與思想的重要工具，而歌詞作為音樂的核心部分，經常蘊含著深刻的意義和故事。無論你是聽眾還是創作者，學會如何解讀歌詞都是提升音樂欣賞層次的重要技巧。以下是四個簡單的步驟，幫助你讀解歌詞並深入理解音樂的內涵。 1. 理解背景與脈絡 每首歌的創作背景對於理解歌詞的真實意圖至關重要。要解讀一首歌，首先要了解其創作時期、文化背景以及藝術家的個人經歷。例如，許多歌詞反映了當時的社會事件或藝術家自身的生活經歷。通過瞭解這些背景資訊，你可以更好地理解歌詞中隱含的訊息。 2. 分析詞彙與語言 仔細分析歌詞中的用詞，尤其是那些不常見或創造性的詞彙，可以幫助你發現歌詞的深層含義。有時候，詞語的選擇可能具有雙重意義或象徵意義，進一步強化了歌曲的主題。例如，一些詞語可能是為了描繪某種情境或情感而創造出來的，這些都值得細細品味。 3. 考慮音樂元素與結構 音樂的旋律、節奏和和聲與歌詞緊密結合，共同創造出歌曲的氛圍和情感。注意歌曲的結構變化，像是副歌或橋段的情感轉折，這些都可能揭示出歌曲的內在情緒變化。理解這些音樂元素有助於更全面地讀解歌詞。 4. 給自己一些時間 解讀歌詞不一定能在短時間內完成。有些歌詞需要時間去消化和反思，才能真正理解其深意。因此，給自己一些時間，允許自己隨著時間的推移逐漸深入挖掘歌詞的含義。有時候，一個夜晚的思考可能會帶來全新的視角。 總結 理解歌曲的創作背景與藝術家的個人經歷。 仔細分析歌詞中的詞彙與語言，發掘其隱含的深層含義。 注意歌曲的音樂元素與結構，理解其對歌詞情感的表達。 給自己一些時間來逐漸深入理解歌詞的真實意圖。
6 個簡單步驟教你寫出動人的歌詞
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寫歌詞是一種既創意又技巧的藝術。無論你是初學者還是經驗豐富的創作者，以下這六個步驟能幫助你更好地表達內心的情感，寫出更具共鳴的歌詞。 1. 尋找靈感 每首動人的歌曲都始於一個好點子，這個點子可能是你個人的經歷、某種情緒，或是一個特別的主題。你可以從日記、朋友的故事，甚至是生活中的隨機對話中獲取靈感。隨時隨地記下這些想法，這樣當靈感來臨時，你不會錯過它。 2. 選擇適合的結構 大多數流行歌曲遵循 ABAB 或 AABAB 結構，這是因為這種結構能夠有效地傳遞情感並讓聽眾更容易記住歌曲。你可以根據歌曲的需要選擇不同的結構，但重要的是要讓歌詞的各個部分緊密聯繫。 3. 開始寫作 一首歌的第一句通常是最重要的，因為它決定了整首歌的基調。確保你的開頭既能引起聽眾的興趣，又能清晰地表達你的主題。接著，逐步建立歌曲的故事或信息，讓歌詞隨著音樂的推進而展開。 4. 建立有力的副歌 副歌是整首歌的高潮部分，應該具有強烈的情感衝擊力，並能簡單明瞭地傳遞出歌曲的核心信息。副歌的旋律應該簡單易記，使聽眾能輕鬆哼唱。 5. 塑造第二段歌詞 第二段歌詞應該深入拓展歌曲的主題或故事，增加更多的細節或給予聽眾一個出乎意料的轉折。這樣可以保持聽眾的興趣，並為後續的副歌做好鋪墊。 6. 修訂與優化 寫作完成後，花時間回顧並修訂你的歌詞。確保每一行都能有效地支持整體主題，並且避免使用陳腔濫調。與他人分享你的歌詞，獲取反饋並進行進一步的調整，使歌詞更具感染力。 核心摘要 尋找靈感並隨時記錄 選擇適合的結構 開頭要有吸引力 副歌應簡單有力 深化主題，保持聽眾興趣 修訂並尋求反饋
